Papos sobre Arte

2011-07-02T14:22:00.003-03:00

Vale a pena uma passada no blog deste fotógrafo: Christian Tagliavini

A foto chama-se Aspettando Freud, Debbie

http://www.christiantagliavini.com/

2011-05-22T22:34:00.006-03:00

A Dama com Arminho e A Bela Ferrageira de Leonardo da Vinci

Depois de um bom tempo sem postar por aqui cá estou de volta!

(este blog perdeu um pouco o rumo pois foi criado para registrar os assuntos abordados pela Confraria Loucos por Arte. Como os "loucos" dispersaram-se pelas coisas da vida acabei usando ele com menos frequência).

Bom.. well.. tonces hoje resolvi colocar duas telas de Leonardo da Vinci porque acabei de ler sobre sua vida no livro escrito por Sophie Chauveau da L&PM Pocket - Biografias. Para quem curte, recomendo. Adorei!!!

Leonardo passou dois grandes períodos de sua vida em Milão e é claro, caiu nas graças do Duque (Milão foi governado por várias famílias e dinastias com o domínio de Ducado. Um deles foi Ludovico Sforza, o Mouro para quem Leonardo fez diversos trabalhos além de ser o encarregado de organizar as festas no Castelo Sforzesco).

Uma de suas obras famosas - A Última Ceia - que pode ser vista ainda hoje foi encomenda do Duque Ludovico a Leonardo e se encontra no Convento Santa Maria delle Grazie, em Milão.

As telas desta postagem - Cecilia Galleriani e Lucrezia Crivelli - também foram encomendadas por Ludovico a Leonardo. Provavelmente eram cortesãs (não descobri nada a respeito das meninas)

A tela de Cecilia foi feita por volta de 1485 e chama-se A Dama com Arminho.

Leonardo privilegia sua beleza natural e decide representá-la sem ornamentos nem jóias. Uma jovem na sua pura beleza de seus 17 anos, numa postura de reserva e pudor. Seu rosto se ilumina num movimento brusco, surpreendido por algo inesperado mas exterior à cena, voltando-se de lado para um misterioso ponto de fuga fora do quadro. Em seus braços, um arminho* de pelos brancos que também parece ter ouvido algo vindo do mesmo ponto externo e que permanece atento, pronto a reagir a alguma eventualidade. Leonardo pinta esta figura emblemática com tamanha força que a imagem parece real, o arminho mostrando toda a agressividade e uma natureza predadora que não deixa de lembrar a de Ludovico, o Mouro... É o que mostram suas patas providas de garras, crispadas e prontas ao ataque, sobre a roupa da jovem. O arminho representa o nome da jovem em grego galée, mas também é o símbolo de seu amante Ludovico Sforza. Cecilia abraça carinhosamente o seu amor junto ao colo. Leonardo certamente o pintou ao vivo pois era um bicho de estimação naquela época. Cecilia possuia dois deles. Era o animal da moda. E Cecilia está na moda. Reconhece-se, por outro lado, a cortesã pelo erotismo e sensualidade que emanam desse retrato e pela mão que acaricia o animal. Também pela sobriedade de seus ornamentos: a faixa dourada na testa, o fio que prende os cabelos e um colar simples denotam a condição de concubina, submissa e reservada. Mas não menos bela.

A tela encontra-se no Museu Czartoryski, na Cracóvia/Polonia.

* conhecido como doninha, é um caçador impiedoso

Lucrezia, nova amante de Ludovico, também teve seu "retrato" executado por Leonardo, à pedido do Mouro.

La Belle Ferronière ou a Bela Ferrageira é uma pintura a óleo iniciada logo após Leonardo terminar a Dama com Arminho entre 1490 e 1495. Por um bom tempo houve um equívoco quanto à autoria do quadro pois Leonardo não assinava suas telas. Quando o Louvre no Séc. XVIII fez o inventário de suas reservas identificou-o como sendo o retrato de uma amante de Luis XIV ou casada com um certo Ferron, ou filha de um forrageiro do rei. Só quando foi conhecida a identidade do autor é que se saberá que se trata de Lucrezia, uma das últimas amantes conhecidas do Mouro. Mas o nome Bela Ferrageira permaneceu.

O dinamismo do retrato se concentra no movimento dos olhos, voltados à direita do observador lançando para fora da cena uma mensagem não expressa. Um pouco como A Dama com Arminho, ela dá a impressão de ser capturada por algo de fora. Nos dois casos essas mulheres parecem esperar ou ouvir alguma coisa ou alguém: o homem que elas amam, é claro. E assim esses olhos voltados para o exterior indicam silenciosamente a onipresença do Duque.

A tela encontra-se no Louvre.

2011-03-18T18:23:00.018-03:00

Gertrude Stein - Pablo Ruiz Picasso - 1905

Lendo GERTRUDE STEIN no seu A autobiografia de Alice B. Toklas (que foi sua amante) e que na verdade é a narração de suas próprias experiências onde ela aparece na terceira pessoa, me deparei com um livro apaixonante. Para quem gosta de Arte é um mergulho nos ambientes "avant-garde" da Paris antes da Segunda Guerra Mundial onde reinava a flexibilização dos costumes e a radicalização das idéias. Americana auto-exilada na Paris daquela época, criadora do epíteto "lost generation" fazia de seu apartamento na Rue de Fleurus, 27, a embaixada de todos os americanos - Hemingway, Scott Fitzgerald assim como um local para reunião de modernistas como Picasso, Jean Cocteau Matisse, Henri Rousseau e Felix Vallotton. E é sobre ele - Vallotton esta postagem pois amei seu trabalho.

Felix Vallotton foi um dos maiores artistas de sua geração.Nasceu em Lausanne, na Suíça e francês por adoção, ele criou uma obra que pertence ao património comum de ambos os países e da história da arte européia. Retratista e xilogravurista .Esta técnica milenar rapidamente lhe valeu uma reputação internacional como um artista na vanguarda da modernidade. Amigo deVuillard, Bonnard e Maurice Denis, ele se juntou aos Nabis,( Les Nabis, ou simplesmente Nabiis foi um grupo de jovens artistas pós-impressionistas da última década do século XIX.) e se tornou o ilustrador principal de La Revue Blanche. Seu casamento em 1899 com a filha de um grande negociante de arte da época - Alexandre Bernheim - marca uma virada na sua vida e sua carreira. Dedica-se à sua vocação: a pintura.

Ferozmente independente, ele desenvolveu em alguns anos um estilo único, suas xilogravuras tem , influência dos mestres japoneses e o exemplo dos antecessores ilustres como Poussin, Rembrandt e Ingres. Sua arte não rompeu com a tradição, sua paleta de tons suaves alternavam com as cores mais brilhantes, muitas vezes dissonantes, às vezes irreal.

Algumas de suas telas:

Sur la plage

Gabrielle Vallotton - Oil on canvas - 1905

The visit

Interior with woman in red - 1903 - oil on canvas

The Lie - 1898 - oil on cardboard

La Blanche et la Noire - 1913

La liseuse - 1922

Stil Life

En Promenade

La lecture abandonnée - 1924

Still life with Bouquet of Marigolds and Violets

2010-10-08T20:28:00.003-03:00

Cow Parade em Porto Alegre

81 vaquinhas invadiram os espaços públicos da capital gaúcha. Elaborados por artistas locais elas certamente vão dar o que falar... Selecionei apenas algumas. O endereço da relação delas e os locais onde estão expostas é: http://www.cowparade.com.br/poa/galeria.php

ALEGRIA INVERNAL

(Carol W.)

COWDRINHOS

(Carlos Soares)

A VACA FOI PRO BECO

(Andrey Damo)

PONTE DO COWIBA

(Ana Aita)

VACA GAUDÉRIA

(Hamilton Peres Ferrão)

2010-08-05T14:38:00.001-03:00

Vincent no mundo fashion

Sempre que tenho oportunidade uso a arte para ilustrar meus looks lá no ByMK. Este é um deles: A tela STARRY NIGHT, de Vincent Van Gogh ilustrando a camiseta do look.

2010-08-01T17:28:00.008-03:00

CARAVAGGIO, de anti-Cristo a herói supremo da cultura

Boy with a Basket of Fruit
c. 1593
Oil on canvas, 70 x 67 cm
Galleria Borghese, Rome

(do Caderno2 do ESTADO DE SÃO PAULO - 26/04/29010)

Para comemorar os 400 anos da morte de CARAVAGGIO , a Scuderie del Quirinale de Roma promoveu uma mostra do pintor perseguido pela Igreja e pela Justiça e hoje reverenciado por sua arte revolucionária.

Até o Vaticano emprestou o seu maior retábulo da época da Contrarreforma - O Sepultamento - para a mostra que se realizou de abril a junho de 2010. O artista foi um gênio incompreendido e denunciado pelos seus quase contemporâneos como um anti-Cristo, vindo para destruir a pintura. Ele ficou famoso primeiro em Roma com os quadros mais sensuais de jovens jamais pintados. Vários foram encomendados por um cardeal que, talvez como o artista, fosse pederasta, enquanto outros foram adquiridos por outro cardeal (sobrinho do papa) que provavelmente era homessexual.

Se há quatro séculos era fugitivo da justiça e criminoso em série, Caravaggio hoje é reverenciado como supremo herói da cultura. A exemplo de Van Gogh, Pollock e Bacon, a fama de Caravaggio é alimentada por aparente simetria entre sua vida tempestuosa e sua arte crua revolucionária. Ele costuma ser definido como o primeiro artista moderno. E 50 anos atrás um historiador da arte disse que qualquer um seria perdoado por achar que a contribuição de Caravaggio à civilização estava em algum ponto entre Aristóteles e Lenin; agora poderíamos acrescentar Nietzsche e Marquês de Sade.

Maneirismo

Michelangelo Merisi da Caravaggio ( 1571-1610) nasceu em próspera família da cidade de Caravaggio perto de Milão. Seu pai, Fermo, trabalhava como construtor e arquiteto. O jovem fez seu aprendizado com um antigo pupilo de Ticiano, em Milão e partiu para Roma em 1592. Neste período dominava o estilo conhecido hoje como maneirismo: uma composição movimentada , difusa, com figuras idealizadas em complexas poses, cores quentes e perspectivas profundas. Mas no fim do século, a arte romana foi ficando em parte mais naturalista, com destaque na claridade, no rigor, no drama e emoção humanos.

Caravaggio criou e explorou esse gosto pelo naturalismo. Sua inovação gerou um gênero iluminado e brilhante de cores frescas, com uma ou mais figuras a meio corpo em escala imponente. Usava como modelos amigos, amantes, pessoas do povo, ciganos, prostitutas, gente da vida real - e a si próprio, com sua pele morena. Essas figuras vulgares eram retratadas ao lado de naturezas-mortas ofuscantes. Segundo a crença de Caravaggio, pintar flores era tão difícil quanto pintar uma figura. Com razão ele é considerado mestre do chiaroscuro, criador da ênfase e do alívio mediante contrastes de luz e sombra. Isto faz parte de sua herança milanesa, pois Leonardo da Vinci vivera e trabalhara naquela cidade um século antes: Caravaggio teria estudado seu retábulo da Virgem das Rochas, hoje ma National Gallery. Mas enquanto Da Vinci tentava atenuar as transições, os contrastes de cor e luz de Caravaggio são agressivamente marcados, quase heráldicos na clareza e frontalidade geométrica, destacados contra fundos escuros sem céu. O ousado imediatismo das pinturas de Caravaggio deve muito ao seu método de retratar direta e rapidamente o modelo vivo, sem fazer esboços. Ele traçava as linhas principais sobre fundos pintados em ores escuras. Para as composições com várias figuras, é possível que tenha criado quadros vivos em ambiente sem luz natural, usando lâmpadas (como foi recriado no filme Caravaggio, de Derek Jarman, e em o Poder da Arte, de Simon Schama). O site da National Gallery informa que a técnica de Caravaggio "era tão espontânea quanto o seu temperamento". Mas pouco é deixado ao acaso ou ao impulso. Não estamos diante de instantâneos. A maioria dosgestos e poses é lenta e ritualística e não instintiva ou imediata.

A arte de Caravaggio pode ser mais entendida como uma representação do "momento maquiavélico". Ele viveu numa época em que o termo maquiavélico entrava no uso comum muitas vezes no sentido de abuso. A intensidade regular ( e, até certo ponto, monótona) da obra de Caravaggio decorre de estar ele tão interessado na história política e natural da religião quanto na hitória espiritual. Seu David é narcisista, oportunista e realista antes de ser profeta e futuro autor dos Salmos Penitentes.

The Cardsharps
c. 1596
Oil on canvas, 90 x 112 cm
Kimbell Art Museum, Forth Worth

St. John the Baptist (Youth with Ram)
c. 1600
Oil on canvas, 129 x 94 cm
Pinacoteca Capitolina, Rome

The Lute Player
c. 1600
Oil on canvas, 100 x 126,5 cm
Metropolitan Museum of Art, New York (on loan)

Sleeping Cupid
1608
Oil on canvas, 75 x 105 cm
Galleria Palatina (Palazzo Pitti), Florence

David
1606-07
Oil on wood, 90,5 x 116 cm
Kunsthistorisches Museum, Vienna

The Entombment
1602-03
Oil on canvas, 300 x 203 cm
Pinacoteca, Vatican

Amor Victorious
1602-03
Oil on canvas, 156 x 113 cm
Staatliche Museen, Berlin

David
1600
Oil on canvas, 110 x 91 cm
Museo del Prado, Madrid

Narcissus
1598-99
Oil on canvas, 110 x 92 cm
Galleria Nazionale d'Arte Antica, Rome

Judith Beheading Holofernes
c. 1598
Oil on canvas, 145 x 195 cm
Galleria Nazionale d'Arte Antica, Rome

Rest on Flight to Egypt
1596-97
Oil on canvas, 133,5 x 166,5 cm
Galleria Doria-Pamphili, Rome

Basket of Fruit
c. 1597
Oil on canvas, 31 x 47 cm
Pinacoteca Ambrosiana, Milan

2010-07-31T10:04:00.006-03:00

( Rafaela Mazzaro, do Caderno DONNA, ZH dia 13/06/2010)

Na maioria das vezes, o pintor se atém a estímulos que são unicamente visuais para transpor uma mensagem nos limites físicos da tela. Para Juarez Machado, esta afirmação, além de arbitrária, minimiza a produção de seu trabalho mais recente.

A coleção Le Parfum composta por quadros inspirados em novas variações de fragrâncias, que têm lançamento previsto para o final deste ano, é um presente aos olhos e ao olfato.

O convite para realizar a série de 13 obras não foi uma desafio para o artista plástico. Extremamente interessado nos sentidos, na década de 1980, Machado já se aventurava a descobrir novos cheiros.

A cada nova descoberta, percebia que havia tanto a desvendar nos prazeres dos perfumes que acabou desistindo da pesquisa. Não que o interesse tivesse diminuído, até porque a lembrança dos aromas das colônias de suas primas sempre chamaram a sua atenção desde criança. Mas a pesquisa se tornou tão ampla, que o artista achou melhor focar em algo mais específico.

— A relação com o perfume e a memória é mais forte do que a visão. O perfume é um passaporte rápido para as lembranças —, reflete.

Em 2008, quando resolveu retomar a ideia de representar as experiências olfativas em suas obras dando atenção apenas ao glamour e a sedução diretamente ligados ao uso dos perfumes, o artista conseguiu chegar onde queria. Os 35 quadros foram tão elogiados em Paris, que a única recordação ficou apenas no catálogo.

Admirador do trabalho do joinvilense, Josef Einzemberg, dono de uma perfumaria de Paris, tratou de encomendar a coleção de que também estampará as embalagens dos perfumes femininos e masculinos.

Todos as obras são inspiradas nos produtos. Em nomes como “Diabolic”, “Tentation” e “Love Affair”, o artista destila a coleção que será lançada em Moscou e depois circulará por outros países.

Misturando várias produções ao mesmo tempo, o artista é hábil não só com as mãos que esculpem e também pincelam, mas também com as palavras. Todos os textos dos catálogos são de sua própria autoria.

— Ninguém melhor do que eu para falar sobre as obras. Até porque, não acho que deve-se explicá-las. O público é quem vai decidir —, diz.

Para falar sobre os quadros que representam cada sensação olfativa, Machado define, em breves palavras, que na mistura das cores há muito de sentimentos pessoais. Talvez seja este o segredo do mestre.

Juarez Machado estréia no dia 16 de outubro a sua próxima exposição em Paris. Le Parfum que ficará na Galerie Valmay, na Rue de Seine, um mês inteiro.

2010-05-16T12:41:00.002-03:00

Moda e Arte

Inspirado na obra do pintor holandês Piet Mondrian, Yves Saint Laurent criou este vestido cujo look montei lá no ByMK .

2010-05-16T00:44:00.005-03:00

Uma obra de arte de uma artista anônima

A autora desta tela é uma artista incógnita e auto-didata. Até aqui, tudo bem. Não fosse que se trata de uma senhora de 77 anos de idade, que vive num asilo - a SPAN - Sociedade Porto-Alegrense de Auxílio aos Necessitados. Seu nome é Zulma Oliveira Mello. A tela em questão estava exposta para venda num Bazar Beneficiente instalado numa das salas de um Shopping de Porto Alegre. Casualmente passando por lá dei de cara com ela e fiquei impressionada com sua beleza. Utilizando a técnica de colagem ela criou essa verdadeira maravilha feita com rolinhos e pedacinhos minúsculos de papel de seda, colados lado a lado num verdadeiro jogo de paciência e criatividade. Me informaram que ela própria coloria os papéis antes de colá-los na tela. Saí de lá e a tela não me saia da cabeça. "Vou voltar lá!" era o que pensava... "vou voltar lá e comprar a tela!" E foi o que fiz no dia seguinte. E mais: tratarei de ir até o Asilo para conhecê-la pessoalmente para poder olhar seu rosto e seu olhar. Para dizer a ela o quanto me emocionei com sua obra de arte. Ah, vou meeeesmo!

Abaixo algumas fotos com detalhes da tela

2010-03-28T00:27:00.004-03:00

Demais!!!! Adorei!

Obrigada, Cláudio Boczon!

Agora me ajudem a identificar as telas de arte que são satirizadas:

a 1ª é A Última Ceia de Leonardo Da Vinci, a 2ª Nascimento de Vênus, de Boticceli, a 3ª Aula de Anatomia de Velasquez, a 4ª, A garota do Brinco de Pérolas, de Jan Vermeer, as duas seguinte, não sei, a 7ª A Criação do Mundo, de Michelangelo, a 8ª A maçã de Magritte, 9ª Mondrian, 10ª Frida Kahlo, a 11ª não sei, 12ª O grito de Munch, 13ª Auto-retrato de Van Gogh, 14ª Andy Wahroll, 15ª e 16ª, não sei, 17ª é Dalila com a cabeça de Sansão (não sei o autor), 18ª Olimphia de Edouard Manet, (demais!!!!) 19ª e 20ª não sei, 21, Klimt, (repetem-se as de nº 8 ao14) 22ª Marc Chagall (uma gracinha), e As Meninas de Velásquez. A das margaridas, também não tenho idéia de quem se trata.

2010-03-26T09:47:00.004-03:00

Produção de Laís Kunhasky, estudante do Curso de Produção de Moda no IF - SC (Instituto Federal de Ciência, Educação e Tecnologia de Santa Catarina).

Tema que servira de inspiração para criar a coleção Primavera 2010/Verão 2011 - ANTES ARTE DO QUE NUNCA.

2010-03-19T23:53:00.000-03:00

Autoria de AIDA SUSI SILVA

2010-01-29T18:21:00.002-02:00

Eu, no ByMK Fashion Social Network

Lembrando do pintor holandês que admiro muito fiz um "look" relembrando o filme A GAROTA DO BRINCO DE PÉROLA

2009-12-31T16:38:00.002-02:00

Minha última postagem de 2009

Uma gravura de Alphonse Mucha, pintor e printmaker tcheco/francês, o maior representante da Arte Nouveau com a qual ele faz uma homenagem às Artes : Dança, Música, Pintura e Poesia.

Isto é tudo que a humanidade precisa para se tornar mais sensível, solidária e fraterna. E SENSIBILIDADE, SOLIDARIEDADE e FRATERNIDADE é o que desejo para 2010.

2009-11-20T10:27:00.004-02:00

Para Vincent
(Don McLean)

Starry, starry night.
Paint your palette blue and grey,
Look out on a summer's day,
With eyes that know the darkness in my soul.
Shadows on the hills,
Sketch the trees and the daffodils,
Catch the breeze and the winter chills,
In colors on the snowy linen land.

Now I understand what you tried to say to me,
How you suffered for your sanity,
How you tried to set them free.
They would not listen, they're not listening still.
Perhaps they never will..

Starry, starry night.
Flaming flowers that brightly blaze,
Swirling clouds in violet haze,
Reflect in Vincent's eyes of china blue.
Colors changing hue, morning field of amber grain,
Weathered faces lined in pain,
Are soothed beneath the artist's loving hand.

Now I understand...

For they could not love you,
But still your love was true.
And when no hope was left in sight
On that starry, starry night,
You took your life, as lovers often do.
But I could have told you, Vincent,
This world was never meant for one
As beautiful as you.

Starry, starry night.
Portraits hung in empty halls,
Frameless head on nameless walls,
With eyes that watch the world and can't forget.
Like the strangers that you've met,
The ragged men in the ragged clothes,
The silver thorn of bloody rose,
Lie crushed and broken on the virgin snow.

Now I think I know what you tried to say to me,
How you suffered for your sanity,
How you tried to set them free.
They would not listen, they're not listening still.
Perhaps they never will..

2009-11-11T22:44:00.004-02:00

Ainda sobre Poussin

(segundo o texto de Daniel Piza)

Daniel cita Claude Lévi-Strauss, que no seu livro Olhar Escutar Ler diz "que diante de uma tela de Poussin temos a impressão de estar diante de "um pequeno teatro"(...) um recurso muito distinto da estratégia dita pós-moderna, que quase sempre se basta na aparência da linguagem".

Continua dizendo que diante de Hymeneus Travestido, a impressão também não poderia ser diferente e que numa conversa com o curador do MASP, Teixeira Coelho, este lhe disse que havia cronometrado o tempo médio que cada pessoa se detinha diante de uma tela: oito segundos!!

"que assim não é possível compreender um Poussin, por exemplo, com sua combinação de rigor e vitalidade".

Daí eu pergunto: quem ou quantas pessoas neste País, que está se lixando pra cultura e a arte, tem preparo para, ao visitar uma exposição de arte, formular qualquer análise crítica de rigor e vitalidade ???? Isto é para teóricos, estudiosos e especiaistas. O povo olha, gosta ou não gosta e ponto. Este "refino" nossa geração infelizmente não vai ter oportunidade de ver acontecer. E duvido que uma próxima também. Repito: INFELIZMENTE.

2009-11-10T15:54:00.007-02:00

NICOLAS POUSSIN

Auto-retrato (1650)

Museu do Louvre

Continuando o tema da postagem anterior, sobre a coluna de Daniel Piza, resolvi pesquisar a respeito do pintor que é mencionado por ele. Trata-se do autor da tela pertencente ao acervo do MASP, adquirido na década de 1950 e que recentemente voltou a ser exposto após uma meticulosa restauração - Nicolas Poussin - pintor francês (1594 - Normandia/França-1665- Roma),

Hymeneus Travestido Assistindo uma Dança em Honra a Príapo.

(1632-34)

Desta forma, ao invés de simplesmente transcrever o pensamento do jornalista, passo adiante as informações "por detrás" do seu comentário: sobre a tela, sobre o autor e quem sabe ainda alguma coisa sobre os personagens mitológicos Hymeneus e Priapo.

Os comentários de Piza à respeito da "maneira pós-moderna" de VER OLHAR ENXERGAR talvez fiquem proteladas para uma próxima postagem.

Well... Nicolas Poussin foi um dos principais pintores clássicos do período Barroco e, apesar de ser francês foi em Roma que passou a maior parte de sua vida. Lá chegou, aos 18 anos de vida, com a intenção de se dedicar à pintura. No entanto, em Roma Poussin abandonou a pintura em grande escala, pela qual se interessava cada vez menos, talvez fruto de seu insucesso em Paris onde exerceu sem destaque esse tipo de trabalho. Começou a produzir para um pequeno e modesto mercado de patronos, que apesar de pouco abastados, possuiam o discernimento suficiente para motivar o pintor.

Dali em diante mudou bruscamente de estilo, passando a pintar cenas classicas e mitológicas, onde dava relevo aos "temas arcadianos" ou seja, ligados à bucólica e lendária região grega da Arcádia, usando frequentemente o fausto e a abundância nas suas obras como exemplificam as séries Bacanais que pintou para o Cardeal Richelieu, onde existe uma clara influência de Tiziano ( um dos principais representantes venezianos no Renascimento e considerado por seus contemporâneos como "o sol entre as estrelas") e Rafael Sanzio, representante florentino no Renascimento.

Quem estiver interessado em ver outras telas de Poussin, clique AQUI

Bem, agora estão faltando Hymeneus e Príapo

quem são eles??

Hymeneus era o deus grego do casamento, filho de Apolo e Afrodite. Também chamado de Hymenaeus ou Hymenaios. Supunham os gregos que ele deveria comparecer a todos casamentos. Caso não estivesse presente o casamento resultaria em fracasso.

Príapo , o deus grego da fertilidade, filho de Dionisio e Afrodite.

2009-11-04T10:55:00.014-02:00

Daniel Piza fala sobre Rodin e Nicolas Poussin

em Ver olhar e enxergar

(Caderno de Cultura/O ESTADO DE SÃO PAULO, do dia 01/11/2009)

Raramente tenho acesso à leitura do "ESTADÃO". Quando esta oportunidade acontece, "me atraco" no caderno CULTURA, onde sempre tem coisas interessantes para ler. Daniel Piza, tem um espaço neste caderno e ler o que este menino - sim, porque ele me parece um meninão - surpreende sempre. Profundo, sem ser maçante, mostra que pode ter aparência de menino, mas demonstra também que tem uma percepção de alguém com conteúdo, anos de observação e estudo. Alguém que fala com consistência.

Na sua coluna, sob o título de Ver olhar e enxergar ele "dá de relho", como se diz aqui no sul, querendo dizer neste caso em particular, que ele dá um show ao fazer sua análise particular sobre a "Era Virtual" vigente entre nós que nos torna incapazes de observar detalhadamente uma obra de arte.

Usou como exemplo, uma experiência que teve, sentado no Jardim do Museu Rodin, em Paris, de frente para uma das réplicas da estátua do O Pensador. Que as pessoas que se aproximavam da estátua, invariavelmente tentavam imitar a posição do pensador (que apoia o cotovelo direito sobre a coxa da perna esquerda).

Que das 20 pessoas que observara, apenas uma havia "se tocado" que imitava de maneira errada, ou seja: que havia colocado o cotovelo direito sobre a coxa direita. "Além disso, diz Daniel, fecharam a mão, quando na realidade os dedos estão esticados". As diferenças estão longe de ser um detalhe. A chave do estilo Rodin - aquilo que o separa do classicismo - é a tensão expressa sobretudo na angulosidade de suas formas e na irregularidade de sua superfície. Ele trabalhava sempre com situações no limite do equilíbrio e, por isso, a meu ver, a dinâmica dos volumes do corpo feminino foi (com trocadilho) seu maior campo de estudos".

Prossegue, dizendo "que uma das imagens mais surradas da história da arte - um "ícone", como se usa e abusa hoje, desvirtuando o significado original do termo - não seja devidamente apreendida por inúmeros observadores é um fato relevante para estes tempos que se dizem "Era Virtual".

(...)

"Também sua testa está franzida, seus músculos retesados e seus artelhos dobrados. Tirar sua tensão dramática é tirar o que tem de substancial. O objetivo da figura, enfim, não era caricaturizar o ato do pensamento; era traduzir sua dor e a individualidade dessa dor".

“O Pensador”. foi esculpido em bronze pelo francês Auguste Rodin. Originalmente a escultura foi chamada de “O Poeta”, pois fazia parte das esculturas baseadas na Divina Comédia de Dante Alighieri para seu trabalho A Porta do Inferno. A escultura retrata Dante diante dos Portões do Inferno, ponderando sobre seu poema.

Na próxima postagem continuarei falando ainda sobre a coluna de Daniel. Então, sobre o pintor francês Nicolas Poussin, cuja tela aparece em detalhe logo acima, chamada Hymeneus Travestido Assistindo uma dança em honra a Príapo, datada de 1632-34, do acervo do MASP, recentemente restaurada, como tema de continuidade do seu pensamento sobre a "Era Virtual".

2009-11-03T10:40:00.006-02:00

Mostra Kandinsky no Guggenheim de Nova York

Um dos eventos que comemora os 50 anos de criação do museu, cujo prédio foi criado por Frank Lloyd Weight, considerado um gênio na arquitetura, é uma mostra da obra de Vasily Kandinsky, artista russo, teórico da estética e pioneiro da arte abstrata. Particularmente tenho uma predileção por sua obra colorida, cheia de cores (muito azul) onde podemos "nos perder" viajando no simples ato de observar suas telas.

A exposição começou em setembro/2009 e vai até janeiro de 2010. Assim, quer for a Big Apple

neste período, poderá incluir uma visita ao museu.

Abaixo, no site do museu, um filme onde a curadora da mostra - Tracey Bashkoff - fala sobre a exposição. Em English, of course!

http://www.guggenheim.org/new-york/exhibitions/on-view-now/kandinsky

2009-10-22T21:41:00.004-02:00

Uma "instalação" criativa

Na maior parte das vezes torço meu nariz para este tipo de manifestação artística - as instalações - que no teatro se equivalem às "performances", porque não entendo isto como ARTE. Sou avessa às obras apresentadas nas BIENAIS e definitivamente não me dou ao trabalho de ir ver as loucuras nelas apresentadas. Mas às vezes sou surpreendida com criações como esta daí, clicada por CELIA em Londres. É uma INSTALAÇÃO mas realmente linda e por isto mesmo partilho com quem me dá o prazer da visita por aqui.

Obs.: postei a foto duas vezes para mostrar na segunda o belo efeito do reflexo colorido das sombrinhas nos vidros do prédio.

2009-10-15T21:40:00.005-03:00

Escultura russa contemporânea
(em madeira)

Dimitriy Potapov

Esta postagem vai para o artista/escultor e poeta Ricardo Kersting

Body and Soul (2000)

Poet (2000)

Nike (2000)

Blessed (1995)

2009-10-13T16:54:00.002-03:00

En retard...

(com atraso)

vai aí uma tela de Bernard Buffet que me é muito cara, por razões sentimentais. Só fui encontrá-la passeando no site oficial sobre Bernard, cujo link está na postagem anterior.

Trata-se da reprodução do Duome de Milão, feita por Buffet em 1991.

2009-10-12T09:16:00.009-03:00

Bernard Buffet

Bernard Buffet que também teve um trabalho exposto no Arte na França -1860-1960, nasceu em Paris, em julho de 1928 e morreu em outubro de 1999. Foi pintor e gravurista dos mais talentosos.

Veja tudo sobre vida, obra e exposições de Buffet em:

http://www.museebernardbuffet.com/index.html

Natureza morta -1950

Pote de Jacintos - 1952

Tête de femme - 1956

(Cabeça de mulher)

Oranges - 1958

(laranjas)

Rita - 1960

Canal de St. Martin - 1960

Ombrelles - 1965

(sombrinhas)

La petite plage - 1966

(A pequena praia)

Jacintos - 1990

Tempete en Bretagne -1999

(Tempestade na Bretanha)

(A última tela pintada por Buffet)

2009-10-08T16:49:00.010-03:00

Pierre Tal-Coat

(minha derradeira ( será???) postagem sobre a exposição ANO DA FRANÇA NO BRASIL)

Seu nome de batismo era Pierre Louis Jacob. Nasceu em dezembro de 1905 em Clohars-Carnoët, (Finistère - França) e faleceu em junho de 1985 na região da Normandia, também na França.

Em 1927 ele adota o pseudônimo "Pierre Tal-Coat" para evitar homonímia com o poeta Max Jacob. Seu pai - um pescador - morreu durante a 1ª Guerra Mundial, lutando no front da região da Floresta de Argonne, localizada ao norte da França. Assim, aos 13 anos, em 1918, Pierre foi obrigado a trabalhar empregando-se como aprendiz de ferreiro onde aprendeu a desenhar e a esculpir. Em 1923 foi trabalhar como funcionário de um cartório. Um ano depois trabalhou como desenhista numa fábrica de porcelana e neste mesmo ano vai à Paris.

Quem quiser saber mais detalhes da vida de Tal-Coat, clique AQUI - site oficial do artista. Mas tem um detalhe: só para quem domina a lingua francesa, bien sûr

Litografia OUTONO (1950)

Litografia - 1956

Natureza morta (1942-43)

Age de fer - 1952

(Idade de Ferro)

Paisagem - 1940

2009-10-02T23:20:00.009-03:00

... ainda sobre obras expostas no MARGS alusivas ao ano da França no Brasil

(desta vez, colocarei alguma coisa sobre Alfred Louis Courmes, cuja tela pintada em 1921- Retrato da irmã do artista - fazia parte da exposição).

Alfred Louis Courmes, nasceu na localidade francesa chamada Bormes-les-Mimosas, em 1898 e morreu em Paris em 1993. Recebeu seus primeiros anos de estudo em Mônaco depois foi residir em Lavandou, na Provence (região da França). Em 1922 fez sua primeira exibição na Société Lyonaise des Beaux-Arts.

1926 - Peggy Guggenheim

1925 - Couples à la bicyclette

La tentation de Saint Antoine

2009-10-01T17:30:00.005-03:00

Jean-Gabriel Domergue

É outro dos pintores que tive oportunidade de conhecer na exposição alusiva ao ANO DA FRANÇA NO BRASIL.

Domergue nasceu em 4 de março de 1889 em Bordeaux, na França e faleceu em 1962 em Paris. Filho de um novelista e crítico de arte, desde cedo mostrou-se precoce com relação a sua habilidade artística. Aos 14 anos, a pedido de uma amiga de sua mãe, desenha seu retrato. Foi seu primeiro trabalho sob encomenda. Conviveu com Toulouse Lautrec e frequenta seu atelier e através dele conhece o Moulin Rouge e suas dançarinas. Seu atelier ficava próximo ao de Edgar Degas, que ao conhecer Jean-Gabriel não lhe deu uma recepção muito calorosa. Mas tornaram-se amigos e Degas passou a ensinar seus segredos de como pintar. Um episódio ficou na memória de Domergue por muito tempo: Querendo fazer Jean-Gabriel aprender a"olhar" e a "ver" fê-lo pintar e repintar uma porta mais de 20 vezes.

Começou sua obra pintando paisagens mas posteriormente dedicou-se a pintar nús e semi-nús apresentando a mulher como um ar tanto coquete, sofisticada e com transparências. Ombros a vista, pescoço longo e elegantíssima.

Durante a Belle Epoque muitos pintores fizeram da parisiense seu tema preferido e não foi diferente com Jean-Gaabriel Domergue. Ele pinta, cria moda e põe seu amor à mulher a serviço de seu talento.

Segundo ele mesmo afirmou, foi o "inventor" das famosas pin-ups. Dizia que sua primeira pin-up data de 1912 e com ele nasce um novo tipo de mulher e durante 40 anos ele será o inspirador e mágico de grandes festivais como o "Tout Paris". Será o grande retratista da aristocracia francesa e estrangeira e das mulheres desse mundo.

Josephine Baker (1928)

Les danseuses de French Can Can

French Can Can (1932)

2009-09-18T19:26:00.002-03:00

Marie Laurencin,

mais uma tela

Guitarrista e duas figuras femininas

(acervo do Museu de Arte de São Paulo)

2009-09-17T22:41:00.005-03:00

Marie Laurencin

Com Marie inicio minhas postagens dos artistas que tive oportunidade de conhecer na exposição alusiva ao ano da França no Brasil.

Foto: Wikipédia

Marie, em 1949

Marie, nasceu em Paris, em outubro de 1883 e faleceu em 1956. Foi pintora e gravurista e nos primeiros anosdo século XX ocupou papel importante dentro da vanguarda francesa. É lembrada como a única mulher cubista mas apesar de ter sofrido influência de Pablo Picasso e Georges Braque, ela desenvolveu uma visão muito própria, concentrando-se na representação feminina tanto na pintura , como no desenho e nas impressões.

A tela que estava na exposição - Guitarrista e duas figuras femininas - feito em 1934, não encontrei para mostrá-la aqui. No entanto o que segue, dá para comprovar que o tema favorito de Marie Laurenin era o mundo feminino.

2009-09-16T19:31:00.006-03:00

Um último adendo à exposição ARTE NA FRANÇA 1860-1960

Portrait of Juliette Courbet as a Sleeping Child

1841; Graphite on paper; Musee d'Orsay

Num dos tantos painéis que dividiam os ambientes da exposição no MARGS, havia o seguinte texto de Gustave Coubert, pintor francês, (nascido em 1819 e falecido em 1877) sobre o REALISMO, escola a qual pertenceu e que foi um dos temas da exposição.

"Estudei, sem qualquer espírito sistemático ou preconceito, a arte dos antigos e a arte dos modernos. Não quis imitar aqueles, nem copiar estes: meu pensamento tampouco foi o de pôr em prática o princípio ocioso da arte pela arte. Não! Eu quis simplesmente buscar, no conhecimento da tradição o sentimento racional e intuitivo da minha própria individualidade. Saber para poder - este foi meu pensamento.

Ser capaz de traduzir os costumes, as idéias, a cara do meu tempo, conforme minha opinião e meu modo de ver; ser não apenas um pintor, mas também um homem, em suma, fazer uma arte viva, este é meu objetivo".

Gustave Coubert

(1855)

Além deste texto de Coubert, gostaria de mencionar alguns pintores (não necessáriamente da escola Realista) que eu desconhecia completamente e cujas telas me agradaram. Vou tentar encontrar alguma coisa a respeito deles e postar aqui mais adiante. Entre eles estão:

Pierre Tal Coat, Alfred Courmes, Marie Laurencin, Bernard Buffet, Jean-Gabriel Domergue e René Ic.

2009-09-09T23:21:00.003-03:00

A tela de Matisse que eu amei de paixão

com moldura e tudo. Clicada na Pinacoteca de Sampa, por São Paulo Fotothing Member

2009-08-05T17:52:00.005-03:00

Da exposição alusiva do Ano da França no Brasil

Minha impressão muito particular sobre o Arte na França 1860-1960: O Realismo, foi de surpresa. Primeiro, porque constatei que desconheço muita coisa ainda sobre a História da Arte e seus representantes. Em segundo lugar, em consequência disto, que me animei a ir em busca de mais informações sobre estes meus famosos desconhecidos para postar sobre suas vidas e obras aqui, mais adiante.
Dos meus conhecidos e preferidos, disparado em primeiríssimo lugar, Henri Matisse cuja tela O BUSTO DE GESSO, feito em 1919, pertencente à coleção do MASP, está presente. A tela é simplesmente linda e a reprodução não faz juz à beleza da original.

2009-07-09T13:10:00.009-03:00

Arte na França 1860-1960: O Realismo

Crédito da foto: Divulgação do evento no hagah

De 13/07 a 30 de agosto de 2009, o Museu de Artes do Rio Grande do Sul - MARGS - vai proporcionar a possibilidade de vermos Courbet, Monet, Van Gogh, Degas, Renoir, Cézanne, Miró, Dalí e Picasso.
Esses e outros artistas fazem parte da exposição Arte na França 1860-1960: O Realismo.

A exposição, sob a curadoria é do francês Eric Corne, cobre o período que vai desde a época em que o realismo francês era o principal movimento pictórico europeu, até a revolução modernista em meados do século XX, passando pelo simbolismo, impressionismo, pós-impressionismo, fauvismo, cubismo, expressionismo, dadaísmo, surrealismo e neo-realismo, até o momento em que os Estados Unidos passam a tornar-se o novo centro artístico mundial, durante a década de 1950. O objetivo desta exposição é justamente ressaltar a evolução das técnicas de representação do real, e por isso mesmo, intitulada realismo francês.

São 70 obras de museus como Musée d'Orsay, Musée Gustave Moreau, Musée de l'Orangerie, Musée Picasso e da coleção Berardo (Lisboa), além das mais de 50 que compõem o acervo do Masp, em São Paulo.

Produzidas sob influência do realismo francês, a mostra traz mais de 100 trabalhos que fazem um passeio por um século de arte produzida na França e levanta as questões das diversas e contraditórias manifestações do Realismo.

Nas paredes do Margs vai possível ver o período que a arte feita na França se afirmou e dominou o panorama cultural. Nela, o visitante poderá observar trabalhos dos diversos movimentos e escolas, abordadas sob a perspectiva do Realismo - seus pontos de partida, suas versões e propostas.

Casa estiver interessado em saber sobre o REALISMO veja aqui

2009-07-01T16:25:00.007-03:00

Jan Vermeer
pintor holandês
(1632 / 1675)

A Lady Drinking and a Gentleman
c. 1658
Oil on canvas, 66,3 x 76,5 cm
Staatliche Museen, Berlin

Woman with a Pearl Necklace
1662-64
Oil on canvas, 55 x 45 cm
Staatliche Museen, Berlin

Eu tive oportinidade de ver pessoalmente estas duas telas. Em Berlim, no último dia 01/06, no Staadliche Museen zu Berlim, graças ao presente que recebi de meu afilhado Eduardo Kasper - a viagem até a Europa - que me proporcionou esta e outras surpresas.
Várias vidas teria que viver para pagar o significado deste presente.

2009-05-19T16:52:00.007-03:00

ICONOGRAFIA SUL-RIOGRANDENSE de
plinio BERNHARDT
(1927/2004)

Plinio Livi Bernhardt, aos 70 anos

Dados sobre o pintor:

Nasceu em Cachoeira do Sul/RS. Foi pintor, desenhista e gravador, formado no Instituto de Artes de Porto Alegre. Realizou sua primeira mostra individual em 1966. Participou em diversos eventos como Salões, Pré-Bienais, Bienais Nacionais e um rande número de exposições individuais em Porto Alegre, fez litografia no Atelier Livre da Prefeitura Municipal de Porto Alegre. Mantinha um atelier, onde tinha turmas regulares de alunos. Teve diversas mostras retrospectivas em Porto Alegre, é verbete, com reprodução de xilogravura no Dicionário de Artes Plásticas do Brasil, de Roberto Pontual e, é claro, no Dicionário de Artes Plásticas do Rio Grande do Sul, do qual participou do Módulo I, coletiva de lançamento simbólico do dicionário, em 1994.

A chamada desta postagem é o título da exposição que está acontecendo na Sala O ARQUIPÉLAGO, do Centro Cultural CEEE Érico Veríssimo em Porto Alegre. Segundo os organizadores da exposição, por tratar-se de obras produzidas em muitas fases (cerca de 60 anos de produção) o resgate delas numa única exposição seria comprometer a compreensão de sua obra. Por isto a realização do resgate das obras de Bernhardt dar-se-á em mais de uma exposição.

Segundo Vinicio Giacomelli, no folder alusivo à exposição "o grande acervo das obras deste artista silencioso e doméstico, encontra-se ainda ao amparo e aconchego de sua família. Sua esposa Yvonne Oliveira da Cunha, é a orientadora zelosa da equipe que agora leva ao público este patrimônio que o artista havia prometido mostrar à cidade antes de nos deixar".

Passeei livremente por um longo tempo naquele espaço reservado à exposição propriamente dita e ainda um local reservado para seus objetos de desenho, fotos, e até sua coleção de cachimbos.
São deste ambiente minhas fotos de hoje.
Todas as telas não tem título e foram assinadas bem mais tarde pelo autor. Dois detalhes que me chamaram a atenção. A etiqueta descritiva ao lado das telas sempre diz:"sem título, datado pelo autor em tal ano"

O ambiente

Algumas obras expostas

Composição com paisagem e frutas em Caçapava do Sul
(óleo sobre tela, assinada em 1977)

Av. Osvaldo Aranha-POA
(óleo sobre tela (87x139cm)

Anjos de São Miguel
(pastel oleoso sobre papel vergé 32x40cm)

Ruínas de São Miguel
(acrílica sobre tela 80x80cm)

Torreão do prédio do Museu de Arte do Rio Grande do Sul
(técnica mista - acrilica, carvão e grafite sobre papel)

Prédio Centro Histórico de Antonio Prado/RS
(pastel sobre papel canson)

O mesmo Centro Histórico
(técnica mista - óleo e pastel sobre papel 62x46cm)

Residência na Av. Independência nºs 490 e 522 POA
(óleo sobre tela 60x90cm)

Residência na Av. Getulio Vargas - POA
(óleo sobre tela 50x40cm)

2009-05-15T15:58:00.005-03:00

Banner alusivo à exposição do acervo da APLUB que está no MARGS

A Espanhola -tela de Aldo Locatelli(1950) na fachado do Museu e aqui, em destaque

Esta e outras tantas obras de pintores gaúchos estão expostas no Museu de Arte do Rio Grande do Sul, com entrada franca, até 14/06/2009.

Maiores informações sobre o acervo estão AQUI, no site oficial do MARGS

2009-05-11T10:38:00.003-03:00

Obras de Tarsila e Portinari são roubadas

Figura em Azul/1923 - Tarsila do Amaral
81,5x60cm avaliada em 1,2 milhões

O Cangaceiro/1956 - Portinari
80x100cm avaliado em 1,2 milhões

Retrato de Maria/1934 - Portinari
64x61cm avaliado em R$ 400 mil reais

É inacreditável imaginar que uma família rica do kilate dos Maksoud, proprietários do hotel que leva o mesmo nome, não se preocupassem em segurar as obras de arte que puderam amealhar ao longo da pródiga vida...
Se o alvo dos larápios tivesse sido um museu, que tem seus recursos escassos porque vivemos num país onde a memória cultural não merece cuidados e NÃO DÁ VOTO PARA NINGUÉM, nada de novo! Mas, convenhamos! Ou esta família não tinha noção do valor destas obras ou é pouco caso (também!!!) com os objetos de arte que possuem.

Alfredo Aquino

2009-05-06T10:27:00.005-03:00

Diálogo/1991

Solidão/1993

Um dia, uma praia/1994

Vida/1995

Vida(detalhe)

A face caligráfica/1995

Artífice das palavrasII/1995

O texto, a musa, o pintor/1995

Transcrevo, abaixo, texto de Ignácio Loyola Brandão no Álbum de Cartões Postais (alguns deles estão aí acima) de Alfredo Aquino, Editora Animae/1995.

"Alfredo Aquino:
onde estão os rostos da humanidade?

Um currículo talvez seja bom para se saber quando e onde o artista nasceu, o que fez e estudou, quando começou. Alguns começam muito cedo, outros tarde. No entanto, tudo isto acaba sendo simples curiosidade. Um currículo não é determinante, nem influencia sobre a visão do que se tem da obra. O que interessa é o impacto da criação, o que ela desperta, as sensações que traz. Acredito mais: importa pouco a análise crítica racional dos especialistas, permeada por termos técnicos e chavões que somente os que conhecem o código da artisticoplastia podem decifrar.
O essencial é a impressão provocada que permanece em nós, nos modifica e nos fornece nova perspectiva de mundo.
Alfredo Aquino é um artista brasileiro nascido em 1953, no sul, no Rio Grande, na sua capital, Porto Alegre. Tinha 20 anos quando chegou em São Paulo, em plena efervescência do que se conhece em nosssa história como o "milagre econômico", em plena ditadura militar. Um Brasil convulsionado, violento, com os jovens se atirando para a luta armada e sendo massacrados, com a censura amordaçando tudo, nenhuma liberdade de expressão. Foi neste campo que se criou uma geração de artistas inquietos, ansiosos, perturbados por uma angústia: até que ponto a arte pode contribuir para a libertação das pessoas.
Hoje, quando, navegamos em razoável democracia, olhamos para os quadros de Alfredo Aquino e nos perturbamos com a quase total ausência de rostos. Ou melhor, os rostos existem, mas não os traços que definem olhos, boca, nariz, queixo. Acabamos transformados em um povo sem olhos - e como é possível adivinhar a alma , se os olhos inexistem? (Não por acaso, a pequena editora de Aquino se chama de Animae). E como é possível falar, respirar, viver neste mundo sem boca e sem nariz? Aqui e ali, nem cabeça existe, o que se vislumbra é algo deformado, não humano, irreal.
Aquino retrata a perplexidade do homem dentro de uma realidade povoado por medo. O homem brasileiro tem medo da inflação, dos planos econômicos, da falta de estabilidade, dos preços, da impossibilidade de se programar o futuro, por mais próximo que ele esteja, da falta de líderes e de administradores, da voracidade do empresariado, da falta de consciência cívica de todos nós.
A inquietação não é somente brasileira. E aqui Aquino revela sua universalidade: os homens sem rosto estão por toda parte. [...] Os rostos desaparecem das pinturas de Aquino - e elas me deixam insone - do mesmo modo que os traços dos humanos desapareceram de Hiroshima e Nagaski. Num mundo cada dia mais densamente povoado, as multidões enchem as ruas e o indivíduo desaparece. O eu se cancela, tudo é coletivo. A multidão não tem rosto.
Este é o mundo que Alfredo Aquino mostra, cheio de dor e de amor pela humanidade. Com certeza ele espera que completemos estes traços que faltam. Todavia, para fazer isto, precisamos mudar. Salvar este mundo. Neste ponto a obra de Aquino é denunciadora e clama por atitudes. É o papel do Artista".

Blog de Alfredo Aquino, veja aqui

2009-04-28T23:00:00.010-03:00

Autoretrato (1940)

Seu nome era Balthasar Klossowski de Rola, nasceu em 29 de fevereiro de 1908, em Paris e faleceu em 18 de fevereiro de 2001, na Suíça, conhecido como Balthus .

* por Elisa Byngton (revista CartaCapital, de 3 de outubro de 2001)

A celebrada ligação com a pintura italiana dos primórdios do Renascimento - que o fez viajar à Itália com apenas 18 anos para copiar os afrescos de Piero della Francesca, em Arezzo, assim como sua orgulhosa recusa aos movimentos de vanguarda do século 20 era ostentada por Balthus assim como a aspiração ao status de "pintor fora do tempo".

Balthus cultivou sempre essa imagem aristocrática. Pretendia que sua pintura não transpirasse subjetividade, não falasse de si, não falasse do tempo presente. Balthus queria ser "o artista sobre o qual nada se sabe", dizia. E queria que suas ninfetas, retratadas enquanto se dedicavam distraidamente à leitura ou a passatempo análogo, em ambiente perfeitamente burgueses, seminuas em sua intimidade observada pelo espectador, fossem pura imagem: composição equilibrada de volumes que aprisionam a luz. nesta descrição de superfícies, acreditava poder expressar o sentido das coisas.

Dialogava com a grande história da arte e construia seus quadros como quem se refere somente às questões da disciplina pictórica, abrigando em cada imagem uma infinidade de citações cultas.
Amava Cézanne e os pós-impressionistas como Bonnard, Signac. Os movimentos artísticos do séc. 20 eram vistos por ele como fenômenos de moda. Um pintor como Francis Bacon lhe inspirava "pena" e o fazia comentar: "Em pintura é preciso saber dominar as próprias emoções, é preciso saber se controlar".

De 1961 a 1977, o pintor de origem polonesa, francês de adoção, foi nomeado diretor da Academia di Francia, em Roma, por André Malraux. A célebre instituição, situada em um magnífico palácio cardinalício onde Balthus morava e recebia os amigos, era, desde o século 17, o símbolo da boa formação acadêmica dos pintores franceses que aqui se dirigiam para copiar os modelos da arte clássica e renascentista. Fellini, que o frequentava naqueles anos, descreveu Balthus em uma entrevista como "um grande ator que interpreta o papel de si próprio", confessando que a ele fascinava sobretudo "encenação e a teatalidade dos seus gestos dos quais parecia ser plenamento consciente.

Algumas de suas obras:

A rua (1935)

The white Skirt (1937)

Thèrése rêvant (1938)
Teresa sonhando

Etude pour une jeune fille endormie (1943)

Dias Felizes (1944-45)
Les beaux jours

Nu diante de espelho (1955)

Minha filha na janela (1957)

Outra postagem interessante sobre Balthus você poderá ver em:
lilianarosa

PInturas em paredes cegas

2009-04-21T20:36:00.005-03:00

Mural em Toronto/Canada (foto feito por Igor Kole)

Mural em Agrippa's street em Jerusalem

Fotografia do mural feita por Angela Lobefaro em Turin, Itália

Mural numa parede cega em Barcelona/Espanha (foto de SantiMB)

Fotos copiadas do site oddee

PAI DE TODOS

2009-04-08T13:56:00.022-03:00

Tela: Hotense Fiquet in a Striped Skirt/ Cézanne (1877-78)
(Obs.: Hotense era mulher do pintor)

Este é o título da seção Artes & Espetáculos, da revista VEJA, do dia 1º de bril de 2009, com texto de André Petry, da Filadélfia onde, no Museu de Arte, está acontecendo uma exposiçao de 59 obras do mestre francês Paul Cézanne.
Estará em cartaz até 17 de maio e não será vista em nenhum outro lugar dentro ou fora dos Estados Unidos. Este não seria o único detalhe dessa exposição. Ela também pretende confrontar com 112 obras de 19 artistas, entre eles Henri Matisse e Pablo Picasso, dois grandes da pintura Moderna. Picasso teria dito "Ele era como nosso pai e foi meu único mestre" e Matisse que "ele era o mestre de todos nós". A mostra propõe que nenhum outro pintor teve tanta influência sobre a arte do século XX quanto Paul Cézanne.

"A paternidade de Cézanne sobre a arte do século XX não é uma tese nova, mas permanece um tanto enigmática. Cézanne não tem a sensualidade de Gauguin, a leveza de Renoir ou a emoção de Van Gogh - todos eles artistas de sua época, a segunda metade do século XIX. Por que, então virou referência tão sólida da arte moderna? Sua personalidade, em vez de ajudar, confunde. Cézanne era introvertido, tinha pânico de ser tocado de surpresa e repudiava os sinais da modernidade. Achava que as calçadas para pedestres adulteravam a calma da cidade e dizia que a chegda da iluminação elétrica nas ruas devastava o crepúsculo. E, no entanto, Cézanne virou o pai de todos. Como? Para ajudar a entender este paradoxo, exposição da Filadélfia mostra que, mesmo sem ter os distintivos dos seus contemporâneos nem apreço algum pela vida moderna que então se insinuava, Cézanne tinha o essencial: vivia a pintura mais que a própria vida, razão pela qual sua arte transcendeu seu tempo e até suas próprias idéias de sociedade e comportamento. Diante de seus quadros é fácil ver que Cézanne não viveu. Cézanne pintou. E pintando sepultou o academicismo e, talvez sem querer, abriu a caixa de Pandora de onde sairia o modernismo. Cézanne inspirou expressionistas, construtivistas, divisionistas, supremacistas, futuristas e uma penca de "istas" do século XX. Fez explêndidas naturezas mortas. Em seu estúdio havia maçãs por todos os cantos. Pintava-as com maestria".

Straw vase /1895

"Cézanne fascinou os futuros cubistas. Os objetos desafiam a gravidade e aparecem em múltiplas perspectivas, tendo todos os elementos de uma imagem incoerente e desiquilibrada - e, no entanto, tudo ali faz sentido ao olhar. Cézanne também fez paisagens colossais (pintou e repintou o Monte Sainte-Victoire, perto de Aix en Provence, sua cidade natal) e retratos inesquecíveis (só de sua mulher Hortense, fez quase 30). Seus retratos são duros, cansados, taciturnos. Já se disse que sua preferência por Marie-Hortense não vinha só da disponibilidade física da modelo, mas também do seu rosto tão expressivo quanto uma lata de sardinha".

Com o Madame Cézanne numa poltrona vermelha, cuja saia em múltiplos tons de verde é um espetáculo à parte, cusou um impacto profundo. A partir desta tela Matisse pintou a Mulher em Azul, em 1937 e Picasso fez O Sonho em 1932. (Marie Thérèse, sua então amante é a modelo)

Mulher em Azul - Henri Matisse/1937

The Dream Pablo Picasso/1932

[...]

Em 59 obras Cézanne aparece em todo seu esplendor, com suas pinceladas curtas e diagonais. Seu domínio do azul é impressionante. O azul de Cézanne coloca ar dentro dos seus quadros. Numa variação da série dos banhistas, o artista marca o perfil das mulheres nuas com grossas pinceladas de azul e, com isto, lhes dá uma luminosidade mágica, elétrica.

The largest bathers -1890-91

Sua versatilidade com o verde é interminável. Em Le Pont de Maincy, feito por volta de 1879, Cézanne parece ser o dono da cor.

A exposição na Filadélfia tem ainda a vantagem de ficar perto de Merion, onde está situada a Barnes Foundation dona de uma das mais espetaculares coleções de imprescionistas, pós-impressionistas e modernistas do mundo. Seu fundador Albert Barnes (1872/1951), que fez fortuna vendendo Argyrol, um pó antiséptico, esteve em Paris pela primeira vez em 1912. Interessado em arte, comprou dois quadros de Cézanne. Er o início de seu acervo fabuloso. Hoje, a Barnes, só de Cézanne tem 69 obras, além de Matisse (59), Picasso (46), Degas (11), e Van Gogh (7). Como se vê, quando se trata do melhor da pintura, na Filadélfia e em Merion, ninguém perde a viagem".

Tela: Albert Barnes (1926), pintado por Giorgio De Chirico

Texto entre aspas é de André Petry, publicada na VEJA de 1º de abril de 2009

Para ver outras obras de Cézanne, recomendo:
O Século Prodigioso (postagem do dia 02/10/2006)

e para saber sobre a Fundação Barnes, o link é:

Barnes Foundation

Arte y Pico

2009-04-05T21:35:00.005-03:00

O prêmio Arte y Pico foi criado com o objetivo de premiar blogs pela criatividade, material interessante e por contribuir com a comunidade de blogs, em qualquer língua.

O Papos sobre Arte acaba de receber o Arte Y Pico de Cynthia Lopes do Blog Cantico das Palavras, onde ela esparrama poesia da boa. Sensibilidade e capacidade de dizer tudo em poucas palavras.
Terei que repassar o mesmo Arte Y Pico para outros 5 blogs que eu considere criativos e com conteúdo interessante. Well, esta tarefa vou adiar por alguns dias para poder fazer minhas escolhas.
Mais uma vez agradeço a Cynthia pela honrosa lembrança.

2009-04-03T11:46:00.003-03:00

Portrait of a Woman - Bartolomeo Veneto, pintor italiano renascentista (1502/1531)

(Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt, Alemanha)

Avec Lucrèce (1995) do fotógrafo francês Gilbert Garcin

Arte, mentiras e a verdade oculta

2009-03-23T11:04:00.004-03:00

Foto: Máscara egípcia exposta no Louvre

Para dar uma sacudida na modorra apática do meu PAPOS SOBRE ARTE, fui "desafiada" por Ricardo Kersting, que antes de blogueiro (foi assim que o conheci) é um grande escultor e poeta, a levarmos aos interessados, para discussão, alguns apectos do mundo da arte. Entre eles, o entrave e a dificuldade para muitos, senão a maioria, em obter as benesses de financiamento oficial aos seus projetos. Apesar de não ser uma artista pois apenas aprecio tudo que se relacione a ela (com algumas restrições a atual arte pós-moderna), acho oportuno tais discussões. Aproveito para convidar quem quiser participar da proposta de Kersting a expor suas idéias aqui. Todos serão bemvindos.
É dele o texto que posto abaixo:

Arte. Mentiras e a verdade oculta.

Quando lembro dos idos anos 80, me dá muito mais que mera saudade fico completamente perdido. Contei para alguns amigos, poucas das muitas passagens que tivemos o prazer de cursar durante essa década trepidante. Poucos acreditaram. A efervecência que tomava conta de todos os setores da econômia não eram diretamente proporcionais ao tamanho do movimento em galerias, salões e coleções particulares no Brasil inteiro. Tirando o advento do plano cruzado que acabou retirando mercadorias das prateleiras e fazendo os brasileiros brigarem entre si, todo o aparato cultural a partir da lei Sarney tinha tudo para deslanchar mais ainda.

Até alguns atores globais tomarem conta dessa lei, tudo ia muito bem. Num dado momento todos os projetos encaminhados e por via de consequência aprovados, tinham a sua origem nos estúdios e palcos dessa rede nacional. No momento em que o próprio MC na época ainda MEC, constatou que grande parte dos projetos aprovados pertenciam a dupla Renato Aragão e Xuxa.

Houve uma certa enxaqueca cultural pois grandes projetos de filmes, peças teatrais e algumas exposições realmente relevantes, não tinham espaço dentro da lei.Algumas grandes empresas viram nesse processo uma maneira altamente lucrativa de livrarem-se de âncoras tributárias e ainda por cima uma oportunidade impar para fazerem-se simpáticas ao seu público consumidor. O que se viu, ou não se viu mas sentimos imensamente, foi uma avalanche, uma tsunami avassaladora de grandes porcarias com financiamento oficial. Sim naquela primeira emissão da tal lei, ainda entravam recursos federais no negócio. O percentual confesso que não sei, mas era muito, mas muito dinheiro mesmo.

Essa tempestade de coisas ruins trouxe em seu bojo algumas luzes e muito se conseguiu impor com um pouco de dinheiro de patrocinadores particulares e recursos próprios. Conseguimos levar adiante uma série de bons projetos até quase o fim da década de noventa, quando tudo começou a ruir novamente. As leis de incentivo se transformaram na Meca dos investidores. As verbas oficiais foram substituidas por renúncia fiscal. Em poucos anos foram criadas centenas de empresas especializadas em elaboração de projetos visando o uso de vários mecanismos tipo lei Rouanet e LICs. Os artistas que conseguiram reunir em torno de si um leque de opções no que se refere a clientes praticamente não pararam de produzir, mesmo com a queda acentuada da demanda durante o inicio de 2000.

Uma verdade persistiu. A produção artística ficou dividida em "Arte oficial e não Arte.

Arte oficial seria a arte produzida exclusivamente por pessoas ligadas aos mecanismos de cultura. Aí nessa questão entraram "bodes" que de repente se transformaram em arte. Uma legião de artistas desconhecidos e alguns até que com um certo nome, foram relegados ao terceiro nível, enquanto outros que conseguiram penetrar no seleto "clube dos oficiais" se mantiveram trabalhando e produzindo obras pseudo artísticas porém com a aura da célebre frase "Lei Rouanet e Lei de Incentivos à Cultura-Ministério da Cultura" Esse tipo de anúncio transformava shows de rebolado, exposições de areias, espetáculos importados de baixa qualidade ( até festa de cervejas) em "Cultura" Tudo que está fora dessa vinculação, e o volume é astronômico, não é considerado evento cultural, portanto não é oficial e não sendo não têm recursos, muito menos mídia.

Penso que tudo deva ser questionado e discutido à exaustão. Há uma sequência de atos e desatinos que nos levaram à beira deste precipício. A cultura do Brasil nunca esteve tão ameaçada como agora. Temo que ao escrever essas palavras, tenha sido um tanto incoerente, mas o assunto é deveras longo e acho até que faltaram muitas coisas que não pude lembrar. A idéia é colocar em discussão. Para tanto conto com a participação de todos os leitores para darem a sua opinião, nem que seja para apontar onde estou errando.

Ricardo Kersting

Faunos e Mitos

KerstingEsculturas

Queropoema

Mostra Bonnard no Metropolitan de NY

2009-03-01T17:58:00.005-03:00

Serão 80 obras de Pierre Bonnard e estarão epostas até 19 de abril/2009.
Quem for a Nova York neste período, por favor inclua na lista das "coisas para ver" e depois me conte.

Clique Aqui para saber mais sobre a exposição.

Margaret Mee na Pinacoteca de São Paulo

2009-02-03T21:03:00.002-02:00

Museu do Prado no Google Earth

2009-02-01T16:40:00.004-02:00

A notícia é careca de velha para quem é apreciador da Arte. Eu mesma soube através do programa da Maria Beltrão, no GNT. Não tinha ainda me dado este tempo para explorar a viagem em 3D até o Prado. Surpresa das surpresas! A tecnologia deu um show no que se pode ver nas 14 obras disponíveis aos internautas. É possível apreciar virtualmente detalhes que o olho humano não perceberia como a costura no lenço do quadro “As Meninas”, de Velázquez ou uma abelha em uma flor em “As Três Graças”, de Rubens. Completam a lista das obras de nomes como El Greco, Rembrandt e Hieronymus Bosch.
Segundo a jornalista Regiane Teixeira
demo "Os quadros podem ser vistos com nível de resolução 1,4 mil vezes superior ao de uma câmera de 10 megapixels. O trabalho, iniciado em maio do ano passado e encerrado em dezembro, consistiu em dividir os quadros em setores, obter fotos de alta resolução e montar o quebra-cabeças. A iniciativa não teve nenhum custo para o museu e pode ser ampliada dependendo da acolhida pelo público".

Eu fui ver e fiquei pasma!

Como roubar um milhão de dólares

2008-11-30T12:14:00.005-02:00

Cenário, Paris, década de 60.
A história, um filme leve, encantadoramente ingênuo, desses que não se fazem mais. Conta a história da filha de um falsificador de obras de arte (intrerpretado pela bonequinha Audrey Hepburn) que pede ajuda a um charmoso "aparente" ladrão (Peter O'Toole) para evitar que as fraudes de seu pai sejam descobertas.
O objeto-da-hora, o ponto de partida do filme, é uma escultura de Benvenuto Cellini, artista florentino (1500/1571), obviamente falsificado, que ao ser exposto em uma galeria de arte, teria que ser avaliado por um perito para fins de ser segurado.
Além da presença charmosa de Audrey, que desfila roupas de Givenchy, há um desfile de obras de Picasso, Miró e uma bela escultura-móbile de Alexander Calder que aparece quando os personagens observam o esquema de segurança do museu. Calder, americano (1989/1976) foi escultor, pintor, gravurista e designer e se notabilizou pela invenção do móbile, na decada de 1930.
Mais um filme recomendado para quem não está a fim de nada "cabeção" como foi dito num dos comentários que li sobre o filme.

Woman in Art

2008-10-08T14:03:00.000-03:00

No Centro Cultural CEEE Érico Veríssimo

2008-10-05T19:40:00.006-03:00

Obras da artista Estelita Branco, numa exposição retrospectiva que se chama: "Ponto por ponto, linha com linha: homenagens".
A exposição fica até dia 11 de outubro, na Sala O Retrato do Centro Cultural CEEE Érico Veríssimo - Rua dos Andradas, 1223 - Porto Alegre/RS.
Fazem parte da exposição 15 obras nas quais artista usa recursos dos novos meios tecnológicos onde as imagens surgem de aquarelas, de fotografias, fotocópias recortadas e coloridas onde as linhas reforçam os traços numa cumplicidade ímpar, acrescentando-lhes cor e relevo.
A linha-fio, que através da agulha persegue as outras linhas, ultrapassa-as, ganha liberdade e passa a completar as figuras interrompidas, criando novos espaços e completando-lhes o sentido.

Um pouco da genialidade de Pablo Picasso

2008-10-02T10:40:00.004-03:00

Alberto da Veiga Guignard

2008-09-24T18:36:00.016-03:00

o lírico da pintura moderna

"...Minha profissão como artista requereu muito exercício,
boa vontade e principalmente uma grande tenacidade.
Sem isto nada se faz".

A obra de Guignard se destaca por seu forte conteúdo lírico. "Ele não fazia parte de grupos, não era um teórico da pintura, não usava seu trabalho como panfletagem política. Pintava o mundo ao seu redor, cheio de euforia e sempre transfigurando-o", diz o crítico Frederico Morais. Isso fica claro quando se observam os temas mais freqüentes de sua obra. As paisagens de Minas Gerais, cheias de colinas, nuvens e igrejinhas, evocam uma atmosfera de sonho. Seus vasos de flores são fulgurantes e coloridos. Seus retratos sempre trazem o modelo em primeiro plano e o fundo preenchido com alguma paisagem imaginária ou objetos delicados. Os traços sinuosos e ondulantes garantem a poesia.
Chega a ser curioso que Guignard tenha produzido uma obra tão vibrante, tais foram as tragédias que enfrentou. Nasceu com o lábio leporino (uma abertura entre a boca, o nariz e o palato) e conviveu com a deformidade por toda a vida. Seu pai se suicidou quando ele era criança. A mãe, que tinha algumas posses, casou-se com um barão alemão falido e levou Guignard e a irmã para a Europa. Lá, ele cresceu e estudou pintura. Ainda jovem, perdeu a mãe e a irmã. O padrasto, que não gostava dele, torrou a herança. Por fim, Guignard casou-se com uma estudante russa de música, Anna Doring. Felicidade, afinal? Nada disso. Ela o abandonou na lua-de-mel por motivos que Guignard não revelava. Nunca se recuperou do trauma e viveu o resto da vida alimentando amores platônicos.

Guignard, o mais empático e lírico pintor modernista brasileiro, nasceu em Nova Friburgo, Estado do Rio de Janeiro, no ano de 1896 e faleceu em Belo Horizonte, em 1962. Sobressaiu-se como paisagista mas criou também magníficas naturezas-mortas e importantes retratos. Foi um artista completo pois atuou em todos os gêneros da pintura - de naturezas-mortas, paisagens, retratos até pinturas com temática religiosa e política, além de temas alegóricos. Foi, portanto, um dos mestres da pintura brasileira na primeira metade do século XX. Ainda que o paisagismo de sua pintura esteja imbuído de um encantamento e de uma afetividade intensos, Guignard permanece irredutível a todo apelo nacionalista ou a qualquer outro iedário. Suas cores pousam sobre a tela com a leveza de aquarela, a aparente ingenuidade das composições faz ainda mais enignmáticas e complexas a serenidade, a íntima ternura e a sabedoria da visão de Guignard.
Neto de um cabeleireiro da corte de D.Pedro II, em Petrópolis, Alberto Guignard, ficou órfão de pai ainda menino. A mãe, inconformada com a perda do marido, casa-se em seguida com um barão alemão arruinado, bem mais jovem que ela, com quem se muda para a Alemanha, levando junto Guignard. Sua formação foi alicerçada em bases européias pois lá viveu dos 11 anos aos 33. Lá freqüentaria as Academias de Belas Artes de Munique e Florença.
Em Munique, Guignard dedicou-se sobretudo ao desenho, técnica que exercitou exaustivamente. De volta ao Brasil nos anos 20, tornou-se um nome representativo dessa década e da seguinte, juntamente com Cândido Portinari, Ismael Nery e Cícero Dias. Alguns críticos atribuem à vivência internacional de Guignard as influências do fauvismo matissiano, da vitalidade cromática de Raoul Dufy, do laconismo formal de Paul Cezanne e da fleuma naïf de Henri Rousseau. Se foi ou não influenciado, Guinard também influenciou pois ainda jovem orientou um grupo - uma espécie de atelier coletivo - do qual participavam Iberê Camargo, Vera Mindlin e Alcides da Rocha Miranda. Nessa época, a convite do então prefeito de Belo Horizonte, Jucelino Kubitschek, que estava pretendendo criar um pólo cultural em Belo Horizonte, deixa o grupo e muda-se para aquela cidade onde instala um curso de desenho-pintura no recém-criado Instituto de Belas Artes. Guignard gostou tanto do que viu em Minas que meses depois da primeira visita mudou-se de vez para a cidade. Tornou-se um apaixonado pela paisagem e gente de Minas Gerais. Extrovertido e triste,sempre oscilou entre a rigidez e a riqueza da emoção. Com belos resultados que o fizeram, ao mesmo tempo clássico e lírico e com muitos escorregões, principalmente no fim da vida, quando pintava em desordem pouco inspirada. Os que o conheceram lembram sua espontaneidade e ternuras infantis, às quais se misturava uma grande tristeza. "Pintar, para ele, era viver". Até a sua morte, Guignard expõe inúmeras vezes no Brasil, ressaltando-se as restrospectivas que lhe foram dedicadas em1953, pelo Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro e pelo Museu Lasar Segall, em 1992. O Museu Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro, sob a curadoria do marchand Jean Boghici, amigo pessoal de Guignard, realizou em abril de 2000, uma restrospectiva com ares de megaesposição internacional. A exposição ocupou 2 mil metros quadrados de uma das galerias do Museu e deve ter sido uma resposta às críticas de que o MNBA tivese virado palco de mostras blockbusters, certamente em função das exposições de Rodin, Monet e Dalí (realizadas entre 1995 a 98). O artista plástico
Antonio Dias, em entrevista ao JORNAL DO BRASIL havia ironizado o calendário do museu, afirmando que "depois das mostras Dalís, é a vez das mostras daquis".

Algumas obras de Guignard:

Nankin, 1930

Sabará

Ouro Preto

1935

071933

Referências bibliográficas:
Revista VEJA 07/07/1982

JORNAL DO BRASIL, 02/04/2000
VEJA DE 05/04/2000
Revista PROGRAMA do JB, de /04 a 13/04/2000.

Mais sobre Guignard clique aqui
e
aqui

Tarsila do Amaral

2008-09-12T10:51:00.034-03:00

Tarsila ,
a Dama Antropofágica
(1886-1973) a grande canibal

Nascida em Capivari, em 1886, e criada numa fazenda de Jundiaí, filha de família de fazendeiros paulistas, Tarsila cresceu "livre como uma cabrita". Realiza seus estudos no Colégio Sacre Coeur, em Barcelona, de onde retorna aos 20 anos de idade. Seu primeiro contato com a pintura dá-se no atelier de Pedro Alexandrino em 1917, onde conhece Anita Malfatti.

retrato de Tarsila feito por Anita

Em seguida estuda com um alemão imigrado e em 1920 volta para a Europa, inscrevendo-se na Académie Julian e expõe pela primeira vez em 1922, no Salon des Artistes Françaises . Retorna ao Brasil após a Semana de 22 mas a tempo de engajar-se aos artistas que a promovem, através do Grupo dos Cinco (Tarsila, Anita Malfatti, Mário e Oswald de Andrade e Menotti del Picchia, que os descreveu como "um grupo de doidos em disparada por toda a parte no Cadillac de Oswald"). Mesmo não tendo participado da Semana de 22 ela é considerada o emblema feminino do modernismo no País, criadora que foi das telas que marcaram a poética pau-brasil, trazendo as cores caipiras e as formas chapadas do imaginário à pintura. Paulo Herkenhoff, curador-geral da Bienal de São Paulo, edição 1999, onde Tarsila teve lugar de honra, diz que ela representou o ápice da antropofagia: a deglutição de modelos importados da Europa e a sua superação pelo exotismo, pela temática e pela projeção da cor local.Foi a grande pintora das artes plásticas da Semana de 22.

Auto-retrato ou Manteau Rouge - Em Paris, Tarsila foi a um jantar em homenagem a Santos Dumont com esta maravilhosa capa (Manteau Rouge, em francês, significa casaco, manto vermelho). Além de linda, usava roupas muito elegantes e exóticas, e sua presença era marcante em todos os lugares que freqüentava. Depois desse jantar, pintou este maravilhoso auto-retrato.

O ano de 1923 foi decisivo em sua carreira, uma vez que, em Paris, estudou com Lhote, Gleizes e freqüentaria o atelier de Léger. Data daí sua absorção das lições de estruturação do quadro cubista,

quadro com essa tendência: a disciplina, a síntese dos elementos e a valorização da cor à maneira de Léger.

Em 1923 já se percebe a noção que os brasileiros têm sobre a imagética brasileira e isto estava claro em seus quadros de então. Coube a ela a fusão inventiva e singular da nova informação estética, com a absorção das lições do cubismo, com a magia da "atmosfera" brasileira, presente em seu trabalho em seu período máximo (1924/1930). Uma pintura de florescências e deformações oníricas, construída com formas reminiscentes do mundo rural, algumas vezes vagamente etnográficas e, segundo Sergio Millet, com uma paleta de tonalidades "caipiras". Veja o quadro Os Operários e Mamoeiro pintado em 1925,

As fases mais criativas de Tarsila foram a "pau-brasil" e a "antropofágica" nas quais ela desenvolveu uma linguagem artística própria e produziu suas obras mais importantes. A fase "pau-brasil" nasceu do contato de Tarsila com o universo da tradição popular brasileira e de sua própria coletânea de memórias da infância, passando a tecer uma poética plástica, que une o aprendizado da síntese dos traçados cubistas a um olhar deslumbrado com a geografia e as cores de nossa própria paisagem. Esta atitude artística foi apelidade de pau-brasil, nome emprestado do conjunto homônimo de poemas escritos por Oswald, com quem Tarsila se casaria mais tarde.

(Estudo para Antropofagia, nanquim sobre papel, cuja versão final está aí abaixo.)

Inaugurou sua fase antropofágica e o movimento antropofágico no Brasil - o grande objeto de comoção nacionalista - quando pintou o famoso Abaporu em 1928, rompendo com a tradição da pintura acadêmica e com o estereótipo de "dama da elite cafeeira". Obra que desmonta a anatomia de um corpo humano em perfil, ladeado por um cactus e um sol sintético. Oswald apelidou a tela e o movimento antropofágico, cujo batismo foi inspirado pela própria obra. Esta tela foi arrematada pelo colecionador argentino Eduardo Constantini por US$ 1 milhão e 300 e encontra-se exposta no MALBA - Museu de Arte Latino Americana de Buenos Aires.
Antropofagia torna-se a palavra de ordem para um novo caminho da arte brasileira, que deveria engolir certas inspirações estrangeiras para digerí-las de acordo com realidades e necessidades nacionais. Para Tarsila, a fase antropofágica marca uma expansão de pesquisas e um florescimento visual. Urutu , também de 1928, é outro importante símbolo da arte brasieira: é ela quem estampa a capa do catálogo Latin American Artists of the Twentieth Century , exposição histórica, concebida pelo MoMA Museu de Arte Moderna de Nova York, em 1993, que viajou o mundo com o projeto sintético de varrer visualmente a história da arte latino-americana.

Abaporu

Após as fases "pau-brasil" e "antropofágica" Tarcila orienta sua pintura para um cunho social, chegando a expor, em 1931, no Museu de Arte Ocidental de Moscou, que lhe adquire o quadro O Pescador. O lugar de destaque ocupado pela artista no cenário das artes plásticas nacionais é surpreendente, se levarmos em conta que para ela, nos primeiros anos, a pintura era algo muito próximo de um capricho de moça rica, educada à francesa.. Seu primeiro período passado em Paris (entre 1920 e 1922) parece uma extensão desse "tipo" de compromisso de Tarsila com a arte que parece ter se modificado apenas quando retornou ao Brasil, quando conheceu o grupo modernista. Oswald de Andrade teve papel fundamental nesse período de Tarsila.

O pescador

Urutu

Sol Poente

Fonte bibliográfica: Rosa Gabriela de Castro ,texto publicado na Revista CULT/fev/1999.
Segundo Caderno ZH dia 05/01/1999 e Correio do Povo de 28/04/03.
Revista REPÚBLICA set/1997.

site oficial clique:aqui

Brennand em Porto Alegre

2008-08-29T15:52:00.011-03:00

A exposição do escultor, desenhista e pintor Francisco Brennand, que acontece no Museu da Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS), Brennand: Uma Introdução leva aos visitantes um pouquinho do trabalho do artista plástico Francisco Brennand, nascido em 1927 no Recife, cuja obra abrange a escultura, a pintura e o desenho, numa vasta produção ao longo de 60 anos de carreira. Faz parte das programações dos 200 anos do Banco do Brasil, chamada Brasil Itinerante. Ela fica em cartaz até dia 28 de setembro, no Museu da Universidade Federal do RGS, Av. osvaldo Aranha, 227 - Porto Alegre/RS

A mostra tem curadoria de Olívio Tavares de Araujo e é composta de 33 esculturas, 17 pinturas e 9 desenhos, selecionados entre as mais de 1700 obras presentes na Oficina da Várzea, próxima a Recife, onde o artista cria e mantém suas obras para visitação pública.

Os trabalhos que compõem a exposição são inspiradas no sofrimento e dor, com esculturas dramáticas, femininas e sexuais. As mulheres, um dos focos principais do trabalho do artista, são lembradas por suas vidas perturbadas e sofridas, como as de Joana d´Arc, Inês de Castro, Ofélia, Maria Antonieta e Helena de Tróia.

"No ano passado, uma enciclopédia brasileira incluiu pela primeira vez um verbete sobre Francisco Brennad. Assegurou então que ele "busca inspiração na arte sacra e no folclore nordestino". Está errado. É verdade que na década de 1960 o ainda-pintor Brennad se voltou transitoriamente para essas duas matizes, mas nem de longe elas aparecem na escultura, que é a parte mais importante de sua produção. A informação está com quase 50 anos de atraso.
O habitat natural desas obras é a Oficina Brennand, a 20 quilômetros do centro do Recife. Por um lado é uma indústria cerâmica, que fabrica objetos decorativos e revestimentos de alta qualidade. Por outro, é uma espécie de enorme museu, a maior parte a céu aberto, com mais de 1.700 esculturas espalhadas por galpões e jardins. Trata-se de um trabalho sem final, um work-in-progress, um projeto
de vida, visto que Brennand, utilizando a mesma argila de que se serve a indústria, continua produzindo e aumentando a população da Oficina.
É uma arte estranha, dramática, com muita morbidez e violenta carga de sexualidade - não de erotismo, que é outra coisa. Tem-se a sensação de estar em algum monumento da antiguidade oriental -0 um templo ou palácio mesopotâmico, talvez, construído ha 3.000 ou 4.000 anos. Já houve quem, em visita a este espaço, tirasse os sapatos para "absorver melhor a energia" brotando da terra. Por certo não há nenhuma energia diferente, nem Brennand é um bruxo habitando um lugar especial. mas é o impacto é tão grande que as pessoas começam a viajar.
São centenas de personagens da história antiga e da européia, da mitologia greco-romana, da Bíblia. O que os interliga, todos, são seus destinos particularmente trágicos, sangrentos. O verdadeiro tema de Brennand, tratado obsessivamente e à exaustão nas obras capitais, foi e continua sendo o destino trágico do homem, sua infelicidade essencial, hoje como ontem e amanhã".
Olívio Tavares de Araújo

Curador da Exposição

(Crédito destas 3 fotos: Eduardo Kasper)

Obs.: Tem link para a página de Brennad acima, à direita do blog

Outro filme para os amantes da arte

2008-08-17T15:36:00.006-03:00

'Sombras de Goya' retrata época marcada pela Inquisição

Goya, interpretado pelo sueco Stellan Skarsgard (de Piratas do Caribe), aparece no filme como um angustiado observador que, protegido por seu status de artista preferido da monarquia, escapará de ser vítima direta dos inquisidores. Mas não terá poder de impedir seus abusos contra alguns de seus amigos.

Escrito a quatro mãos por Milos Forman e pelo consagrado roteirista francês Jean-Claude Carrière, o roteiro parte do momento em que Goya convida a posar para ele a jovem Inês Bilbatua (Natalie Portman), filha de um rico comerciante local. Fiel à beleza de sua modelo, seu retrato torna-se rapidamente uma das maiores atrações do ateliê do pintor.

Para sua desgraça, Inês atraiu também a atenção dos inquisidores. Ao vê-la recusar um prato de carne de porco, numa noite em que saíra com seus irmãos, espiões da Igreja a denunciam por "judaísmo" e ela é convocada para um interrogatório.

Na sede da Inquisição, o clima é sempre mais favorável a uma condenação, não só para Inês, como para todos que têm a infelicidade de se tornarem seus alvos.

Submetida à tortura, a jovem conhece o horror e a solidão, sem que sua família possa fazer nada a respeito. O fundamentalismo cristão dava as cartas naquela sombria Espanha dos reis Carlos IV (Randy Quaid) e Maria Luisa (Blanca Portillo, de Volver).

Há uma última esperança para Inês e ela está nas mãos do padre Lorenzo (Javier Bardem). Apesar de não chefiar a Inquisição, ele é um conselheiro suficientemente hábil para influenciar suas decisões. Ao visitar Inês em seu calabouço, porém, Lorenzo é dominado por suas próprias tentações.

Enquanto isso, o sensível Goya nada mais pode fazer do que traduzir em suas telas estes e outros horrores de seu tempo. O principal deles é a invasão das tropas francesas, que abalará a Inquisição mas também dizimará a Espanha.

É sempre bem-vindo observar como o veterano Forman, de 75 anos, realiza um filme assim vigoroso. O diretor de O Mundo de Andy (1999), colecionador de Oscar em Um Estranho no Ninho (1975) e Amadeus (84) não perdeu o jeito, nem a energia.

texto extraído do "Estadão

Curiosidades sobre o filme:

- Milos Forman escalou Natalie Portman após saber que ela gostava da garota na pintura "Milkmaid of Bordeaux", de Goya.

- Quando questionado do porquê de um filme sobre Goya, uma personalidade tão característica da Espanha, ser falado em inglês, o diretor Milos Forman simplesmente respondeu que não sabia falar espanhol.

- e esta é minha: quando fui procurar o filme numa locadora do bairro, a menina que me atendeu me olhou com cara de espanto, como se eu estivesse procurando um ET. Não soube nem digitar corretamente o nome "goya" na sua pesquisa. Céus!!!! A mediocridade grassa!!!

Velásquez

2008-08-13T12:04:00.003-03:00

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599/1660) pintor da corte espanhola do século XVII, foi um dos maiores artistas de todos os tempos. Mesmo vivendo em meio aos fidalgos cortesãos, não deixou de inspirar-se em figuras populares para compor seus magníficos quadros que tornaram-se representação viva da sociedade castelhana daquele tempo.

Abaixo, transcrevo um texto de Ferreira Gullar sobre o pintor espanhol:

AS MENINAS

Ferreira Gullar em Relâmpagos (Cosac& Naify)

O quadro está de costas e está de frente: de costas para você (que o vê por trás ao lado esquerdo) e de frente para Velásquez que o pinta. Mas a verdade é que está de frente para você e já pintado. Aliás, desde 1656. Não obstante, Velásquez (você o vê) o está pintando. São dois espaços do tempo numa mesma superfície de tela.

Aparentemente, você está atrás do quadro e de frente para o pintor, que tem ao lado o seu motivo: a infanta e as damas de companhia, que ele pinta. Mas não as pinta diretamente: pinta a imagem delas refletida no espelho – um espelho que não se vê, de cuja existência se sabe apenas pelas coisas que reflete: o pintor, as meninas e as mulheres, o cão e também, lá no fundo, um homem que se detém numa escada; ao seu lado, refletidas num outro espelho pequeno, as imagens do rei e da rainha, que entraram na sala, no outro extremo do aposento, fora de nossa vista. Assim, o quadro contém o que se vê e o que não se vê, num jogo de espelho e de espaços e tempos. É o quadro dentro do quadro, imagens de imagens. Realidade e ilusão que se confundem. Miragem, pintura...

Um momento da vida, mínimo episódio da história humana – pessoas que, numa sala, posam para um pintor que as retrata - ali na Espanha, num certo dia do século XVII. E parece uma visão irreral esta cena real (com sua luz doce) que Velásquez fixou na tela para sempre. Mas que na vida, se desfez naturalmente em seguida, como qualquer outra, entre palavras e risos.

2008-04-24T23:04:00.027-03:00

Personagem da peça Hamlet de Shakespeare, Ophelia é tema dos pintores ao longo da História da Arte, como mostro a seguir. Deve haver outra tantas criações mas é o que encontrei.

Esta é de Eugène Delacroix, pintor francês (1789/1863)

Paul Delaroche, francês (1797/1856)

Ernest Hébert, francês (1817/1908)

George Frederick Watts, inglês (1817/1904)

Thomas Francis Dicksee, inglês 1819/1895

Alexandre Cabanel, pintor francês 1823/1889

Dante Gabriel Rossetti, 1828/1882

William Gorman Wils, irlandês 1828/1891

John Everet Milais, inglês 1829/1896

Arthur Hughes, inglês 1832/1915
Hughes

Jules-Joseph Lefebvre, francês 1836/1911

Pierre Auguste Cot, francês 1837/1883

Odilon Redon, pintor francês 1840/1916

George Clairin, francês 1843/1919

Clairin

John William Waterhouse, inglês 1849/1917
Waterhouse

Henri Gerveux, pintor francês 1852/1929

Henrietta Rae, inglesa 1859/1928

Margaret McDonald, inglesa 1863/1933

Lucien Lèvy Dhurmer, francês 1865/1953

Paul Albert Steck, francês 1866/1924

2008-04-10T16:32:00.002-03:00

Encontrei esta montagem no site PIXDAUS . Seria reprodução moderna do quadro de George Seurat(1859/1891), pintor francês pioneiro da técnica do pontilhismo que se chama Tarde na Ilha de Grande Jatte.

PIERRE BONNARD

2008-01-30T18:33:00.007-02:00

(1867/1947)

Apesar dos encontros da Confraria estarem suspensos temporariamente não deixo de fazer minhas postagens aqui. Quem sabe depois elas servirão de pauta para nossos encontros e, porque não, de matéria de pesquisa para alguém também apaixonado por arte.

Como está colocado acima, o artista da hora é o pintor francês Pierre Bonnard e vou basear meu texto numa reportagem de Hugo Estenssoro publicado na revista BRAVO, sob o título:

A excêntrica maestria
de BONNARD

"Em agosto de 1890, a revista parisiense Art et Critique publicou o artigo assinado pelo jovem pintor de vanguarda Maurice Denis que continha a frase que muitos historiadores da arte e críticos consideram o primeiro enunciado da arte moderna: "devemos lembrar que uma pintura - antes de ser um cavalo na batalha, ou uma mulher nua ou algum tipo de narrativa - é uma superfície plana coberta de pintura organizada numa certa ordem".

Dois anos antes, sob influência de Paul Gauguin, Denis havia participado da fundação do grupo Les Nabis ( que em hebreu significa "profetas"), ao qual também pertenceram Bonnard, Édouard Vuillard, Aristide Maillol e Paul Sérusier, todos estudantes da mesma academia - a Julian. No ano seguinte, um influente crítico afirmava no Mercure de France, a mais importante revista da época, que esses jovens seriam "os mestres de amanhã", mas menos de 20 anos depois, fauvistas e cubistas os relegaram a meros antecedentes do movimento que se chamou de "pós-impressionistas". E o maior e melhor de todos os Nabis, Bonnard, mergulhou num longo período de marginalização crítica.

Muitos dos contemporâneos de Bonnard - de Renoir a Matisse - o consideravam um igual. Outros, como Picasso - que certa vez disse que a obra de Bonnard era um "pot-pourri de indecisões" - o consideravam um anacronismo vivente , uma imperdoável prolongação do passado (bom sinal, porque Picasso só atacava aqueles que temia como rivais). à propósito disso, Henri Cartier-Bresson, contemporâneo de PIcasso e Bonnard disse: [...]"You know Picasso didn't like Bonnard, and I can imagine why, because Picasso has no tenderness. [...] To me, he [Bonnard] is the great painter of the century. Picasso was a genius, but that is something quite different."
Mas seria exagero dizer que Bonnard foi ignorado. O MOMA, em 1947, ( ano de seu falecimento) fez uma grande retrospectiva para celebrar seus 80 anos, livros e monografias sobre o artista foram produzidos em quantidade e figuras de credenciais modernistas como Francis Bacon admitiram, publicamente, sua influência.

Bonnard não é um mestre de seu tempo no sentido de Leonardo, Rubens, Delacroix ou Picasso o foram nas suas respectivas épocas. Bonnard só é um mestre do século 20 no mesmo sentido de Cézanne (apesar deste ter morrido em 1906). Como ele, primeiro foi classificado pelas amizades de juventude, e logo como um excêntrico. E o mal-entendido durou longo tempo porque ambas as observações eram corretas, mas não suficientes para entendê-los. Cézanne foi considerado um incompetente; Bonnard, um passadista. Na realidade, os dois artistas trabalhavam fora do arcabouço arbitrário da cronologia crítica. Após uma breve miitância de vanguardas em sua juventude, ambos passaram a pintar para eles mesmos e não para sua época. Bonnard, como outros de sua geração, sofreu diretamente com a hegemonia que a revolução modernista conquistou entre críticos e historiadores.

Falando dos quadros de Vermeer, Proust escreveu que "qualquer que tenha sido o gênio que os tenha recriado, são sempre a mesma mesa, o mesmo tapete, a mesma mulher". Bonnard, que tinha na parede de sua casa uma reprodução de Vermeer, deve ter-se reconhecido na observação de seu amigo, inclusive porque como Proust, Bonnard, a partir de um certo momento , deixou tudo para recolher-se e reconstituir na sua obra lembranças de uma intensidade similiar às do Tempo Perdido .

Uma empregada de Bonnard contava que ele jamais pintava imediatamente as flores que ela trazia. Esperava que ficassem secas e as pintava em todo seu esplendor de memória , como tudo que pintou. O que confirma outra testemunha, uma modelo, a quem Bonnard pedia que não ficasse quieta, para depois pintá-la pairando no tempo, numa imobilidade que não era apenas a de pintura, mas a de uma imagem que fica na memória como uma epifania.

Numa das raras e memoráveis definições que fez de seu trabalho, Bonnard disse: "gostaria de mostrar o que a gente vê quando entra numa casa de repente". Poucos pintores da história da arte conseguiram realizar mais plenamente um objetivo estético. É nisso que reside a grandeza íntima e recolhida de Bonnard. O conjunto de sua obra deixa ver com clareza o longo trabalho de depuração, de contínuo despojamento que marca a trajetória de Bonnard à margem da multiplicidade revolucionária de tendências e escolas artísticas da primeira metade do século 20.

O jovem dândi do final do século 19, torna-se aos poucos um obstinado visionário do absoluto. O curioso de seu percurso é que, como Proust, precisava olhar para trás. Um detalhe importante: esse irreverente vanguardista "descobre" o impressionismo tardiamente. Mas adiantou-se aos cubistas e chegou a antecipar o abstracionismo. "A cor tem uma lógica tão forte quanto a da forma" é um de seus aforismos. O fato de ter retido os elementos iconográficos de seus antepassados impressionistas - paisagens esplendorosas, interiores banhados de luz, mulheres tomando banho - é algo evidente. A influência da fotografia, da qual aprendeu como Degas, o enquadramento arbitrário, também fica clara. Bonnard era diferente. E o que o diferencia é o uso que faz desses elementos.

Duas telas feitas em 1900: Siesta e Woman with black stockings

La lettre (a carta) - 1906

National Gallery of Art, de Washington

Uma das obras mais conhecidas de Pierre Bonnard.

Model in backlight
1907

La chambre verte
1909

La nappe à carreaux rouge ou Le déjeuner au chien
1910

Sallle à manger à la campagne
1913

Garden in southern France
1914

Nu devant le miroir
1916

The Earthly Paradise (O Paraíso Terrestre)
1916-20

Paysage de Normandie
1920

Femme avec du Mimosa
1924

Near Cannes
1925

Le corsage rouge
1925

Nu à la baignoire
1925

Portrait de l' artiste par lui-même ou auto-retrato
1930

Miroir de toilette
1930

Dining room 1930-31

Autoportrait
1931

Nu au miroir (la toilette)
1931

La salle de bain
1932

Nu jaune (Nú amarelo) ou Nu de dos à la toilette
1934

The breakfast table 1936
...e esta a sala original da casa de Bonnard, objeto da tela anterior

Terrace at Vernonnet 1939

Le tapis rouge
1942-43

Red roof - 1945/46

A foto da janela da casa de Bonnard que serviu de vista para o quadro Red Roof

Quando da realizaçao da exposição PARIS 1900, da coleção do Petit Palais, no MARGS - Museu de Arte do Estado do Rio Grande do Sul ( de out a nov/2002), duas litografias de Bonnard, encomendadas por Ambroise Vollard - marchand e colecionador de arte na época - estavam presentes. Faziam parte do álbum que Bonnard intitulou de Alguns Aspectos da Vida de Paris (Quelques aspectes de la vie en Paris). Uma delas é a que está abaixo.

Chama-se Casa no Pátio (Maison dans la cour), feita em 1895-96. Foi tomada da janela do atelier que Bonnard ocupou durante 50 anos na Rua Pigalle, 28. Ao longo de sua carreira ele pintou muitas vezes esse ordenamento retangular de janelas e telhados, escolhendo enquadramentos diferentes. Nesta, o único elemento de animação é uma mulher sacudindo uma peça de roupa branca. O tema da janela, recorrente em sua obra permite-lhe estruturar sua visão e já houve quem visse nisso um símbolo da fronteira entre o público e o privado.

Então!???
Ninguém vai se manifestar?
Por favor, palpite!
:o)
Estou esperando....

2007-12-18T09:42:00.001-02:00

John William Waterhouse - 1849/1917

Waterhouse, que nasceu na Itália, de pais ingleses, é um dos pintores que fazem parte do grupo chamado de Pré-Rafaelistas. Este grupo, organizado nos moldes de uma confraria, surgiu na Inglaterra, por volta de 1848, como uma reação à arte acadêmica inglesa, que seguia o modelo dos artistas clássicos do Renascimento. Ao se autodenominarem de Pré-Rafaelistas, queriam deixar claro que se inspiravam na arte dos pintores anteriores a Rafael (1483/1520) pintor do Renascimento italiano que influenciou a Academia inglesa e que, conseqüentemente era criticado por eles.

O grupo, apesar de reunido em prol do mesmo objetivo, não era homogêneo nas suas produções. Alguns dedicaram-se a temas e problemas da sociedade, utilizando-se de representações realistas e, outros vão se ligar a temas medievais inspirados em Dante (Divina Comédia), em lendas (como a do Rei Arthur), cenas religiosas, na literatura e na mitologia.

Independente do tema tratado há uma preocupação com a beleza poética, com a representação além da realidade visível: trabalham com a matéria da alma e a espiritualidade. Harmonia e equilíbrio entre os elementos que compõem o quadro. Resultado disto serão imagens ornamentais, cheias de pormenores e detalhes, cores luminosas que dão sensibilidade estética às pinturas onde o romance e o erotismo, unidos a uma certa inocência, têm lugar de destaque.

Waterhouse pintou um grande número de personagens da literatura e da mitologia como veremos a seguir. Segundo seu biógrafo Anthony Hobson, a pintura de lendas e mistérios estava profundamente enraizada na imaginação de Waterhouse e davam a ele o exato senso de composição dos seus trabalhos.

Liverpool foi a cidade que concentrou o maior número de exposições de Waterhouse

De Boccaccio, da peça Decameron (1611) a tela Enchanted Garden

Retrata a lenda de um grupo de jovens que, fugindo da praga ocorrida em Florença no séc. 14, isolam-se no interior do país por dez dias. A cada dia um dos membros do grupo é escolhido como rei ou rainha, obtendo, assim, autoridade sobre o grupo com a incumbência paralela de relatar uma história ao grupo.

1916

Tale from Decameron - 1916

Esta tela ilustra o grupo de jovens contando suas histórias

De Shakespeare (1564/1616), da peça Hamlet, escrita por volta de 1600/1602, a personagem Ophelia teve de Waterhouse várias versões:

1889

1894

1910

Ainda de Shakespeare, da peça Medida por Medida, escrita em 1604, a personagem Mariana

1897

Da peça, Tempest, considerada a última de Shakespeare, a personagem Miranda

1916

Na Mitologia, Waterhouse deitou e rolou.
Pintou centenas de telas retratando cenas dos personagens mitológicos.

Flora - 1890

Flora2 - 1890

Circe offering the cup to Ulysses - 1891
Circe Invidiosa - 1892

Ulysses and the sirens - 1891

Pandora - 1896

Hylas and the Nynphs 1896

Ariadne - 1898

The awakening of Adonis - 1900

Nymphs finding the head of Orpheus - 1900

Mermaid - 1901

Echos and Narcissus - 1903

Psyche opening the golden box - 1903

Psyche entering the Cupid´s garden - 1904

The Danaides - 1904

Jason and Medea - 1907

Apolo and Daphne - 1908

Thisbe - 1909

Vanity - 1910

Penelope and the Suitors - 1912

Narcissus - 1912

Baseado nas lendas, Waterhouse criou:

The Magic Circle - 1886

Lady Shallot - 1888
baseado no poema de Tenyson

In the stormy east-wind straining,
The pale yellow woods were waning,
The broad stream in its banks complaining,
Heavily the low sky raining
Over tower'd Camelot;

Down she came and found a boat
Beneath a willow left afloat,
And round and round the prow she wrote
The Lady of Shalott.

And down the river's dim expanse
Like some bold seer in a trance,
Seeing all his own mischance —
With a glassy countenance
Did she look to Camelot.

At the closing of the day
She loosed the chain, and down she lay;
The broad stream bore her far away,
The Lady of Shalott.

The Lady of Shallot looking at Lancelot - 1894

The Crystal ball - 1902

The sorceress - 1911

"I am half-sick of the shadow", said Lady Shallot - 1915

Waterhouse também pintou cenas e personagens que não tratavam exatamente de mitologia e/ou lendas, como algumas que seguem:

An eastern reminiscence - 1874

An italian produce shop - 1877

Dolce far niente - 1879

Cleopatra - 1888

A roman offering - 1890

Study for the Lady Clare - 1900

My sweet rose - 1903

The bouquet - 1908

Gather ye rosebuds - 1908 que teve outra versão:
1909 baseado no poema de Robert Herrick:

Gather ye rosebuds while ye may

Old time is still a-flying;

And the same flower that smiles today

Tomorrow will be dying.

Sugiro ainda irem ao YouTube, coloquem "waterhouse" no search e deliciem-se.
Tem muita coisa bonita por lá!
E como um site muuuito especial sobre as criações de Waterhouse, recomendo este o site oficial sobre o pintor.

Fernando Botero - O ESTETA DO EXCESSO

2007-10-22T14:09:00.002-02:00

Para não repetir coisas já publicadas na rede sobre o pintor Fernando Botero colocarei alguma coisa publicada na revista Bravo de mar/98, do jornalista Teixeira Coelho quando o MASP fez a mostra retrospectiva sobre o artista. Também o que foi publicado na época, no SEGUNDO CADERNO da ZERO HORA do dia 17/03/1998.

Figuras entre o obsceno e apatetado marcam toda a criação deste colombiano, nascido em 1932.
Botero é um dos mais bem pagos e mais populares artistas plásticos latino-americanos.
Nascido na cidade de Medelín (a mesma do mal-afamado cartel de Pablo Escobar) Botero tem uma vida pesoal atribulada. Foi muito pobre na infância, perdeu um filho de apenas quatro anos num acidente de carro na Espanha e viu outro filho ser enjaulado.

O porte roliço das figuras, associado a um certo realismo mágico, se tornou a marca registrada do artista. Até quando ele pinta naturezas-mortas as frutas são inchadas. O que não significa que Botero esteja propondo uma "realidade gorda", protesta a antropóloga argentina Teresa de Anchorena, que foi a curadora da retrospectiva de Botero no MASP. Segundo ela o artista constrói uma "realidade monumental" e, ao mesmo tempo, sugere "um excesso de vida que é perigoso".
Botero se define como o oposto dos outros artistas: "Não sou cubista, impressionista, surrealista ou expressionista. Sou o que sou." Para ele a pintura deve ter um tema, um volume e espaço, algo que é tabu na arte moderna.
É visível sua opção pela sátira - gênero difícil quase sempre menor- mas que nele ganha importância ao resistir a modismos facilitadores da arte "de vanguarda", ganhando com isto a grandeza artística que merece.
O artista que começou pintando natureza morta, retratos e mais tarde criando esculturas também trata de temas políticos em suas obras. Muitas de suas imagens retratam a vida colombiana, conflitos que assolam o país sul-americano, e nos últimos anos se concentrou na violência. Sua última série de obras expostas ao público retrata as torturas infligidas por soldados americanos a presos iraquianos na prisão de Abu Ghraib. As peças são intituladas simplesmente Abu Ghraib e numeradas de 1 a 50. Sugiro uma visita neste linck

para ver algumas obras desta série.

Série: bailarinos

As Vênus calipígeas* de Botero

*calipígea - que tem bunda bonita...hehehe
farta, eu diria, no caso de Botero!

Mujer leyendo

Colombiana

1995
La cama

Vênus - 1989

Série Bedroom

1996
1997

Série: Bathroom
1995

1998

Monalisa
"Minha Monalisa não é a Monalisa de Da Vinci"

Cenas familiares

Naturezas-mortas

Coffee Pot - 1985
The supper- 1987

Homage to Van Gogh - 1987

Chair and guitar
Sleeping President

Broadgate Vênus - 1990
Encontra-se no Exchange Square em London.

René Magritte

2007-09-25T01:52:00.001-03:00

Aliás, já mencionei Magritte aqui quando falei sobre o filme The Thomas Crown affair.
A próxima postagem vai tratar, portanto sobre Magritte, que disse:

"tudo quanto vemos esconde outra coisa; adoraríamos ver
o que aquilo que vemos esconde de nós..."

Baseado no livro MAGRITTE, de Marcel Paquet, da coleção TASCHEN

(O Império das Luzes)

O trabalho de Magritte foi caracterizado por uma profunda sensibilidade a tudo que foge à compreensão. Um mistério inerente aos objetos do mundo, esse mistério que pertence a todos e a nenhum. Depressa se torna claro para quem observa a obra de Magritte que os elementos apresentam entre si um contraste agudo, causando um choque na mente do espectador, convidando-o a pensar. Seu quadro O Império das Luzes, segundo Marcel, talvez seu quadro mais famoso, onde há simultaneidade da noite e do dia torna esta afirmação clara.

(A chave de vidro)

(Perspicácia)

(Reprodução Proibida)

Um contraste diferente predomina no quadro A chave de vidro onde uma rocha paira no ar, contrastando entre o peso da pedra e a leveza que apresenta no quadro: o peso da pedra não se pode conciliar com a leveza que o quadro lhe atribui. Segundo Magritte, a realidade pode ser mudada e ser-lhe dada uma manifestação diferente no quadro; do mesmo modo, o artista pode dar às coisas uma lógica tal, que contradiga as leis da percepção comum. Magritte jogava interminavelmente com esta possibilidade de divergir da realidade. Retratava simultaneamente uma realidade de uma forma infiel - pintando o dia à noite; pintando um pássaro a partir de um modelo a sua frente, apesar do modelo ser apenas um ovo (Perspicácia) ou um espelho em que estão refletidas as costas de um homem que está de frente para ele mesmo (Reprodução Proibida).

Outra constante na obra de Magritte é a inverção ou fusão das visões de interior e exterior, ou de posições opostas ou extremas, fazendo um jogo de virar do avesso, nos perguntando o que está dentro e o que está fora. No Espelho falso o olho humano, superdimencionado, ao invés de proporcionar uma visão do que está por dentro, na alma do homem, reflete o que está fora - um céu com nuvens.

(O Espelho falso - 1935)

Da mesma forma, na tela Elogio da Dialética (uma homenagem de Magritte a Hegel) há esta fusão de interior e exterior.

(O Elogio da Dialética - 1936)

Ainda mecionando Hegel pois Magritte lia, além deste, as obras de Heidegger, Foucault, Nietzche e Platão, também a tela a seguir, chamado pelo próprio autor de As Férias de Hegel,
nos mostra sua predileção aos pensadores. Hegel foi o expoente da dialética filosófica e é outra vez inspiração do artista. Ele mesmo diz sobre o trabalho: "Pensava que Hegel... teria sido muito sensível a este objeto que tem duas funções opostas: ao mesmo tempo, não admitir água (repelir) e admitir (conter). Ele teria ficado satisfeito, creio , ou divertido (como se estivesse de férias) e chamei ao quadro As Férias de Hegel".
A ênfase na obra de Magritte parece estar sempre ligada a estimular o pensamento. É uma pintura para filósofos ou, pelo menos, para apreciadores do pensamento filosófico. Era um pintor de idéias, um pintor de pensamentos visíveis, mais do que de assuntos.

(Férias de Hegel 1958)

O improvável dentro do visual de Magritte

A tela - A Página em branco - uma homenagem de Magritte a Mallarmé que havia escrito sobre a impossibilidade de escrever numa página em branco, a Lua está numa posição inverossímel: na frente e não atrás das folhas.

Sobre a tela seguinte - Carta Branca, Magritte diz:
"Coisas visíveis podem ser invisíveis. Se alguém cavalga por um bosque, a princípio o vemos, depois não, contudo sabemos que está lá. A amazona oculta as árvores e estas ocultam-na também. Todavia os nossos poderes de pensamento abrangem tanto o visível quanto o invisível - eu faço uso da pintura para tornar os pensamentos visíveis".

Na próxima tela, nem o homem alado nem o leão têm a ver com a ponte. Parecem encarar a melancolia daqueles que sabem que a verdadeira vida está sempre em parte alguma, é coisa que não existe. Outra metáfora de Magritte que parece nos dizer que assim como o leão está num ambiente que não lhe pertence, também o homem ao seu lado de asas fechadas parecem sonhar melancolicamente em fugir, voar para outro lugar, fugindo da prisão que o mundo representa.
A este, Magritte deu o nome de A Saudade.

A tela abaixo Magritte deu o nome de O Modelo Vermelho ( Modèle Rouge) e falou o seguinte sobre:
"o problema dos sapatos demonstra quanto as coisas mais assustadoras podem ser feitas para parecerem inofensivas através do poder da negligência. Aqui sente-se que a união do pé humano com um sapato se baseia afinal num monstruoso hábito".

No Jóquei Perdido, feito em 1948, o surreal está nas árvores que surgem como folhas esquematizadas.

Um tema recorrente na obra de Magritte

(homens com chapéu-côco)

(Golconda - 1953)

Sobre esta tela o próprio Magritte diz:

"Há aqui um multidão de homens, homens diferentes. Quando pensamos numa multidão, contudo, não pensamos num indivíduo: do mesmo modo, estes homens estão vestidos de igual, tão simplesmente quanto possível, para sugerirem uma multidão... Golconda foi uma rica cidade da Índia, uma maravilha. Acho uma maravilha poder caminhar pelo céu na terra. Por outro lado o chapéu-côco não constitui surpresa - é um antigo complemento, nada original. O homem de chapé-côco é o Sr. Normal, no seu anonimato. Eu também uso um; não tenho vontade de me destacar das massas".

( O Mês da Vindima - 1959)

Também aqui, como em Golconda, aparecem os mesmos homens anônimas com chapéu-côco, obstruindo hermeticamente a vista para fora da janela, dando uma impressão assustadora, apesar da passividade estampada no rostos.

(The Son of Man, 1926)
É um dos quadros mais famosos de Magritte. Ele define-o desta forma: "Tudo o que vemos esconde outra coisa, e nós queremos sempre ver o que está escondido pelo que vemos.

"My painting is visible images which conceal nothing; they evoke mystery and, indeed, when one sees one of my pictures, one asks oneself this simple question 'What does that mean'? It does not mean anything, because mystery means nothing either, it is unknowable."

(Decalcomania - 1966)

A silhueta da esquerda parece ter sido recortada das pregas da cortina.

(de novo, o homem com o chapéu-côco)

(O Mestre da escola)

Voce pode ver mais sobre Magrite clicando aqui

à propósito do poderio dos Guggenheim

2007-09-13T15:09:00.001-03:00

É a chamada do texto de Osmar Freitas Jr. na revista ISTOÉ, de 23/7/2003, quando após 13 anos, o Museu Guggenheim resolve mostrar ao público que o visita em Nova York, um mural de azulejos feito por Juan Miró em 1967 chamado ALICE, especialmente criado para o museu. Encravada na parede do salão de entrada, o mural estava escondido atrás de um tapume de madeira. Quem tem poder faz destas coisas: se dá a luxos inconcebíveis pois é uma das entidades mais ricas entre as que acolhem a arte dos séculos XX e XXI. Com um acervo tão plural e com tanta qualidade tem condições de criar exposições sobre qualquer tema. E foi numa destas que os poderosos do Guggenheim resolveram mostrar o tesouro escondido. Aproveitando uma mostra que se chamou De Picasso a Pollock - um tour pelos grandes momentos do cubismo ao expressionismo abstrato, cobrindo o período que vai de 1910 a 1960, o impressionante mural de azulejos finalmente foi revelado.
O trabalho, embutido na base das 5 rampas que circundas o prédio internamente, foi uma das últimas criações de Miró, encomendado por Thomas Messer, então presidente da Fundação Solomon R. Guggenheim, como uma homenagem póstuma a Alicia Patterson, mulher de Harry Guggenheim.
Foi executado entre 1965-1967, tem cerca de 7 metros de largura com 190 plaquetas de cerâmica moldadas por um ceramista espanhol - amigo de Miró - chamado Josep Llorens.
É uma peça absolutamente característica de Miró, que criou uma cosmologia de seus próprios símbolos-cores - um fundo cinza, que adquire tonalidades prateadas conforme a incidência da luz, com taços e pontos emblemáticos em amarelo, preto, vermelho e azul. No meio foi grafado o nome Alice.
Houve quem reclamasse da grafia do nome da homenageada. Pediram revisão. Teimoso, Miró rebateu dizendo que havia feito uma "interpretação livre" e recusou-se a correção. Foi preciso muita lábia de Messer para convencer Miró mudar o original. Miró, então, elaborou o painel da seguinte maneira: dependendo do lado que se olha, pode-se tanto ler Alice quanto Alicia.