Encontrei esta montagem no site PIXDAUS . Seria reprodução moderna do quadro de George Seurat(1859/1891), pintor francês pioneiro da técnica do pontilhismo que se chama Tarde na Ilha de Grande Jatte.

PIERRE BONNARD

(1867/1947)

Apesar dos encontros da Confraria estarem suspensos temporariamente não deixo de fazer minhas postagens aqui. Quem sabe depois elas servirão de pauta para nossos encontros e, porque não, de matéria de pesquisa para alguém também apaixonado por arte.

Como está colocado acima, o artista da hora é o pintor francês Pierre Bonnard e vou basear meu texto numa reportagem de Hugo Estenssoro publicado na revista BRAVO, sob o título:

A excêntrica maestria
de BONNARD

"Em agosto de 1890, a revista parisiense Art et Critique publicou o artigo assinado pelo jovem pintor de vanguarda Maurice Denis que continha a frase que muitos historiadores da arte e críticos consideram o primeiro enunciado da arte moderna: "devemos lembrar que uma pintura - antes de ser um cavalo na batalha, ou uma mulher nua ou algum tipo de narrativa - é uma superfície plana coberta de pintura organizada numa certa ordem".

Dois anos antes, sob influência de Paul Gauguin, Denis havia participado da fundação do grupo Les Nabis ( que em hebreu significa "profetas"), ao qual também pertenceram Bonnard, Édouard Vuillard, Aristide Maillol e Paul Sérusier, todos estudantes da mesma academia - a Julian. No ano seguinte, um influente crítico afirmava no Mercure de France, a mais importante revista da época, que esses jovens seriam "os mestres de amanhã", mas menos de 20 anos depois, fauvistas e cubistas os relegaram a meros antecedentes do movimento que se chamou de "pós-impressionistas". E o maior e melhor de todos os Nabis, Bonnard, mergulhou num longo período de marginalização crítica.

Muitos dos contemporâneos de Bonnard - de Renoir a Matisse - o consideravam um igual. Outros, como Picasso - que certa vez disse que a obra de Bonnard era um "pot-pourri de indecisões" - o consideravam um anacronismo vivente , uma imperdoável prolongação do passado (bom sinal, porque Picasso só atacava aqueles que temia como rivais). à propósito disso, Henri Cartier-Bresson, contemporâneo de PIcasso e Bonnard disse: [...]"You know Picasso didn't like Bonnard, and I can imagine why, because Picasso has no tenderness. [...] To me, he [Bonnard] is the great painter of the century. Picasso was a genius, but that is something quite different."
Mas seria exagero dizer que Bonnard foi ignorado. O MOMA, em 1947, ( ano de seu falecimento) fez uma grande retrospectiva para celebrar seus 80 anos, livros e monografias sobre o artista foram produzidos em quantidade e figuras de credenciais modernistas como Francis Bacon admitiram, publicamente, sua influência.

Bonnard não é um mestre de seu tempo no sentido de Leonardo, Rubens, Delacroix ou Picasso o foram nas suas respectivas épocas. Bonnard só é um mestre do século 20 no mesmo sentido de Cézanne (apesar deste ter morrido em 1906). Como ele, primeiro foi classificado pelas amizades de juventude, e logo como um excêntrico. E o mal-entendido durou longo tempo porque ambas as observações eram corretas, mas não suficientes para entendê-los. Cézanne foi considerado um incompetente; Bonnard, um passadista. Na realidade, os dois artistas trabalhavam fora do arcabouço arbitrário da cronologia crítica. Após uma breve miitância de vanguardas em sua juventude, ambos passaram a pintar para eles mesmos e não para sua época. Bonnard, como outros de sua geração, sofreu diretamente com a hegemonia que a revolução modernista conquistou entre críticos e historiadores.

Falando dos quadros de Vermeer, Proust escreveu que "qualquer que tenha sido o gênio que os tenha recriado, são sempre a mesma mesa, o mesmo tapete, a mesma mulher". Bonnard, que tinha na parede de sua casa uma reprodução de Vermeer, deve ter-se reconhecido na observação de seu amigo, inclusive porque como Proust, Bonnard, a partir de um certo momento , deixou tudo para recolher-se e reconstituir na sua obra lembranças de uma intensidade similiar às do Tempo Perdido .

Uma empregada de Bonnard contava que ele jamais pintava imediatamente as flores que ela trazia. Esperava que ficassem secas e as pintava em todo seu esplendor de memória , como tudo que pintou. O que confirma outra testemunha, uma modelo, a quem Bonnard pedia que não ficasse quieta, para depois pintá-la pairando no tempo, numa imobilidade que não era apenas a de pintura, mas a de uma imagem que fica na memória como uma epifania.

Numa das raras e memoráveis definições que fez de seu trabalho, Bonnard disse: "gostaria de mostrar o que a gente vê quando entra numa casa de repente". Poucos pintores da história da arte conseguiram realizar mais plenamente um objetivo estético. É nisso que reside a grandeza íntima e recolhida de Bonnard. O conjunto de sua obra deixa ver com clareza o longo trabalho de depuração, de contínuo despojamento que marca a trajetória de Bonnard à margem da multiplicidade revolucionária de tendências e escolas artísticas da primeira metade do século 20.

O jovem dândi do final do século 19, torna-se aos poucos um obstinado visionário do absoluto. O curioso de seu percurso é que, como Proust, precisava olhar para trás. Um detalhe importante: esse irreverente vanguardista "descobre" o impressionismo tardiamente. Mas adiantou-se aos cubistas e chegou a antecipar o abstracionismo. "A cor tem uma lógica tão forte quanto a da forma" é um de seus aforismos. O fato de ter retido os elementos iconográficos de seus antepassados impressionistas - paisagens esplendorosas, interiores banhados de luz, mulheres tomando banho - é algo evidente. A influência da fotografia, da qual aprendeu como Degas, o enquadramento arbitrário, também fica clara. Bonnard era diferente. E o que o diferencia é o uso que faz desses elementos.

Duas telas feitas em 1900: Siesta e Woman with black stockings

La lettre (a carta) - 1906

National Gallery of Art, de Washington

Uma das obras mais conhecidas de Pierre Bonnard.

Model in backlight
1907

La chambre verte
1909

La nappe à carreaux rouge ou Le déjeuner au chien
1910

Sallle à manger à la campagne
1913


Garden in southern France
1914


Nu devant le miroir
1916



The Earthly Paradise (O Paraíso Terrestre)
1916-20


Paysage de Normandie
1920



Femme avec du Mimosa
1924




Near Cannes
1925



Le corsage rouge
1925



Nu à la baignoire
1925



Portrait de l' artiste par lui-même ou auto-retrato
1930



Miroir de toilette
1930

Dining room 1930-31

Autoportrait
1931



Nu au miroir (la toilette)
1931



La salle de bain
1932






Nu jaune (Nú amarelo) ou Nu de dos à la toilette
1934

The breakfast table 1936
...e esta a sala original da casa de Bonnard, objeto da tela anterior


Terrace at Vernonnet 1939


Le tapis rouge
1942-43

Red roof - 1945/46

A foto da janela da casa de Bonnard que serviu de vista para o quadro Red Roof

Quando da realizaçao da exposição PARIS 1900, da coleção do Petit Palais, no MARGS - Museu de Arte do Estado do Rio Grande do Sul ( de out a nov/2002), duas litografias de Bonnard, encomendadas por Ambroise Vollard - marchand e colecionador de arte na época - estavam presentes. Faziam parte do álbum que Bonnard intitulou de Alguns Aspectos da Vida de Paris (Quelques aspectes de la vie en Paris). Uma delas é a que está abaixo.

Chama-se Casa no Pátio (Maison dans la cour), feita em 1895-96. Foi tomada da janela do atelier que Bonnard ocupou durante 50 anos na Rua Pigalle, 28. Ao longo de sua carreira ele pintou muitas vezes esse ordenamento retangular de janelas e telhados, escolhendo enquadramentos diferentes. Nesta, o único elemento de animação é uma mulher sacudindo uma peça de roupa branca. O tema da janela, recorrente em sua obra permite-lhe estruturar sua visão e já houve quem visse nisso um símbolo da fronteira entre o público e o privado.

Então!???
Ninguém vai se manifestar?
Por favor, palpite!
:o)
Estou esperando....

John William Waterhouse - 1849/1917

Waterhouse, que nasceu na Itália, de pais ingleses, é um dos pintores que fazem parte do grupo chamado de Pré-Rafaelistas. Este grupo, organizado nos moldes de uma confraria, surgiu na Inglaterra, por volta de 1848, como uma reação à arte acadêmica inglesa, que seguia o modelo dos artistas clássicos do Renascimento. Ao se autodenominarem de Pré-Rafaelistas, queriam deixar claro que se inspiravam na arte dos pintores anteriores a Rafael (1483/1520) pintor do Renascimento italiano que influenciou a Academia inglesa e que, conseqüentemente era criticado por eles.

O grupo, apesar de reunido em prol do mesmo objetivo, não era homogêneo nas suas produções. Alguns dedicaram-se a temas e problemas da sociedade, utilizando-se de representações realistas e, outros vão se ligar a temas medievais inspirados em Dante (Divina Comédia), em lendas (como a do Rei Arthur), cenas religiosas, na literatura e na mitologia.

Independente do tema tratado há uma preocupação com a beleza poética, com a representação além da realidade visível: trabalham com a matéria da alma e a espiritualidade. Harmonia e equilíbrio entre os elementos que compõem o quadro. Resultado disto serão imagens ornamentais, cheias de pormenores e detalhes, cores luminosas que dão sensibilidade estética às pinturas onde o romance e o erotismo, unidos a uma certa inocência, têm lugar de destaque.

Waterhouse pintou um grande número de personagens da literatura e da mitologia como veremos a seguir. Segundo seu biógrafo Anthony Hobson, a pintura de lendas e mistérios estava profundamente enraizada na imaginação de Waterhouse e davam a ele o exato senso de composição dos seus trabalhos.

Liverpool foi a cidade que concentrou o maior número de exposições de Waterhouse

De Boccaccio, da peça Decameron (1611) a tela Enchanted Garden

Retrata a lenda de um grupo de jovens que, fugindo da praga ocorrida em Florença no séc. 14, isolam-se no interior do país por dez dias. A cada dia um dos membros do grupo é escolhido como rei ou rainha, obtendo, assim, autoridade sobre o grupo com a incumbência paralela de relatar uma história ao grupo.

1916

Tale from Decameron - 1916

Esta tela ilustra o grupo de jovens contando suas histórias

De Shakespeare (1564/1616), da peça Hamlet, escrita por volta de 1600/1602, a personagem Ophelia teve de Waterhouse várias versões:

1889

1894

1910

Ainda de Shakespeare, da peça Medida por Medida, escrita em 1604, a personagem Mariana

1897

Da peça, Tempest, considerada a última de Shakespeare, a personagem Miranda

1916

Na Mitologia, Waterhouse deitou e rolou.
Pintou centenas de telas retratando cenas dos personagens mitológicos.

Flora - 1890


Flora2 - 1890



Circe offering the cup to Ulysses - 1891
Circe Invidiosa - 1892


Ulysses and the sirens - 1891




Pandora - 1896



Hylas and the Nynphs 1896



Ariadne - 1898


The awakening of Adonis - 1900



Nymphs finding the head of Orpheus - 1900



Mermaid - 1901

Echos and Narcissus - 1903



Psyche opening the golden box - 1903



Psyche entering the Cupid´s garden - 1904



The Danaides - 1904



Jason and Medea - 1907



Apolo and Daphne - 1908



Thisbe - 1909



Vanity - 1910



Penelope and the Suitors - 1912


Narcissus - 1912

Baseado nas lendas, Waterhouse criou:

The Magic Circle - 1886

Lady Shallot - 1888
baseado no poema de Tenyson

In the stormy east-wind straining,
The pale yellow woods were waning,
The broad stream in its banks complaining,
Heavily the low sky raining
Over tower'd Camelot;

Down she came and found a boat
Beneath a willow left afloat,
And round and round the prow she wrote
The Lady of Shalott.

And down the river's dim expanse
Like some bold seer in a trance,
Seeing all his own mischance —
With a glassy countenance
Did she look to Camelot.

At the closing of the day
She loosed the chain, and down she lay;
The broad stream bore her far away,
The Lady of Shalott.

The Lady of Shallot looking at Lancelot - 1894


The Crystal ball - 1902



The sorceress - 1911

"I am half-sick of the shadow", said Lady Shallot - 1915

Waterhouse também pintou cenas e personagens que não tratavam exatamente de mitologia e/ou lendas, como algumas que seguem:

An eastern reminiscence - 1874

An italian produce shop - 1877

Dolce far niente - 1879


Cleopatra - 1888


A roman offering - 1890



Study for the Lady Clare - 1900



My sweet rose - 1903

The bouquet - 1908

Gather ye rosebuds - 1908 que teve outra versão:
1909 baseado no poema de Robert Herrick:

Gather ye rosebuds while ye may

Old time is still a-flying;

And the same flower that smiles today

Tomorrow will be dying.

Sugiro ainda irem ao YouTube, coloquem "waterhouse" no search e deliciem-se.
Tem muita coisa bonita por lá!
E como um site muuuito especial sobre as criações de Waterhouse, recomendo este o site oficial sobre o pintor.